Крестный отец электронной музыки Жан-Мишель Жарр прилетел в Израиль и прямо из аэропорта Бен-Гурион направился на Масаду, где в четверг, 6 апреля, пройдет его невероятное, фантастическое шоу. До конца недели легендарный музыкант будет руководить интенсивными репетициями, чтобы довести до совершенства самые мельчайшие детали в организации и оформлении проекта и обеспечить незабываемые впечатления всем зрителям его шоу, в одном из красивейших уголков мира.

Уникальное событие, которого никогда не видели Эдомские горы, соберет тысячи поклонников легендарного музыканта. 

Сейчас на территории национального парка Масада 30 международных и 200  местных специалистов работают под личным руководством Жарра над созданием футуристического города будущего в сердце пустыни, для строительства которого привезли 650 тонн оборудования, включая 512 прожекторов и 25 лазерных установок огромной мощности, каких еще не видели в Израиле. 500 метров экранов LED, собранных в сложную конструкцию на 40 метровой сцене, создадут оптическую иллюзию парения сцены в воздухе, иллюзию полного отсутствия гравитации. 

Удивительный вечер начнется в 21:00 и закончится на следующий день с восходом солнца. До того, как маэстро Жарр поднимется на сцену в 23:05, чтобы представить зрителям уникальное, грандиозное шоу «Zero Gravity», гости города будущего услышат электронные композиции лучших диджеев мира и Израиля. 

Масада – знаменитое историческое место, на фоне которого по грандиозному замыслу Жана-Мишеля Жарра и произойдет слияние многовековой истории, героического прошлого и уникального ландшафта, с формами, технологическими идеями и звуковой палитрой будущего. У подножия горы на территории национального парка раскинется футуристический город с самыми сложными уникальными архитектурными конструкциями, на которых разместятся израильские зрители и гости, решившие стать свидетелями выдающегося события. Сцена расположится на фоне завораживающего своим величием горного ландшафта, а ее роскошный амфитеатр будет построен, как одно монументальное строение с различного уровня роскошными смотровыми площадками и хорошо оборудованными танцполами.

Вот что рассказал Жан-Мишель Жарр о том, как возникла идея создания этого шоу. «Я был в Израиле полтора года назад, поднялся на Масаду и был в восторге от красоты Мертвого моря и Эдомских гор. Я связался с продюсерами, и так родилась идея концерта на Мертвом море. Я в восторге от места, которое мы выбрали, это все равно, что выступать в космосе. Современные технологии превратят этот спектакль в совершенно футуристическое действо. Люди за границей смогут посмотреть его в реальном времени на своих смартфонах». По словам музыканта, проблема Мертвого моря известна: оно неуклонно высыхает, сокращается и может исчезнуть через несколько лет. «Я являюсь послом ЮНЕСКО в сфере экологии, и эта тема меня очень волнует, - говорит  Жан-Мишель Жарр, - Я надеюсь, что наше представление привлечет внимание СМИ к проблеме Мертвого моря и будет способствовать его сохранению. Я предложил ЮНЕСКО внести Мертвое море в список мест мирового наследия».

Выдающиеся проекты Жарра напрямую влияют на мировую музыкальную индустрию. Он - один из немногих музыкантов, к творчеству которых постоянно прикованы взгляды профессионалов из мира музыки. А начиналась музыкальная карьера Жана-Мишеля, как у большинства молодых музыкантов с выступлений с рок-группой. «Но меня все время интересовала возможность обработки звука, изменение звучания инструмента, будь то гитара или фортепиано, - вспоминает крестный отец электронной музыки. - поэтому трансформация была несложной. Я пошел учиться в специальную музыкальную школу в Париже. Там преподавал Пьер Шафер, который считается гуру диджеев. Он понял, что можно превратить в музыку шум дождя или свист ветра с помощью игры со звуком. Это было в конце 60-х, мы бунтовали против института классической музыки и даже против устоявшихся традиций рок-музыки. Я продал гитару и поехал в Лондон, где купил свой первый синтезатор». 
С этого момента и началась долгая успешная карьера Жан-Мишель Жарра, сделавшая его пионером и выдающимся изобретателем новых звуков, установившим высочайшую планку мирового уровня в производстве и организации международных мега-шоу.

Жарр обладает замечательной способностью обращать внимание миллионов на проблемы экологии уникальных исторических мест и природных заповедников, которые нуждаются в мировой поддержке.

Тот факт, что музыканта, блестящая карьера которого четырежды оставила след в Книге рекордов Гиннеса, как артиста, концерты которого были самыми массовыми в истории человечества, являющегося послом ЮНЕСКО по проблемам экологии и охраны окружающей среды, волнует плачевное состояние Мертвого моря, является беспрецедентным. Дов Литвинов, руководитель регионального совета Тамар, считает, что международный резонанс, вызванный уникальным шоу у подножия Масады, расширит возможности по спасению одного из чудес света и поможет сохранить национальное и международное природное сокровище - Мертвое море.

Подготовка к мега-шоу у подножия Масады при участии израильских специалистов и представителей Жана-Мишеля Жарра продолжалась в течении всего года. Впервые за все время проведения подобных выступлений, Жарр решил поручить строительство сцены и декораций команде местных продюсеров. Планировка строительства заняла огромное количество времени из-за особых требований к оформлению грандиозной сцены на фоне Эдомских гор. Публику удивит настоящий «космодром», созданный в пустыне, а вокруг него - террасы для зрителей, «начиненные» суперсовременным видео- и аудио-оборудованием. Все это футуристическое пространство создано так, чтобы зрители могли максимально насладиться зрелищем, происходящим на сцене, площадь которой достигает 1000 квадратных метров. Но самое уникальное – это то, что сцена будет, как бы, парить в воздухе, в противоречие силам гравитации. Отсюда и название шоу – «Zero Gravity». Оборудованная по последнему слову техники, она даст продюсерам возможность показать невиданные ранее в Израиле эффекты.

Всем, кто приедут и примут участие в этом грандиозном событии, гарантировано путешествие на другую планету.

По оценкам организаторов, на мега-шоу устремятся тысячи туристов, и поэтому отели Мертвого моря и авиакомпании готовятся к приему гостей со всего мира. Компания Flying Carpet предлагает туристам особые пакеты, включающие полет в Израиль, номер в отеле и билет на шоу Жарра.

Десятки международных медиакомпаний примут участие в освещении мега-мероприятия. 

Места и цены

Сцена будет окружена террасами, каждая из которых предложит разнообразные услуги: удобные кресла, особый угол зрения, напитки, еда по заказу и т. д. Цена билетов зависит от перечня услуг, которые предлагает выбранная терраса. Вместе с тем, все гости вечера смогут в полной мере наслаждаться аудиовизуальными эффектами представления.

Заказ билетов на шоу по телефону: *2207 или на сайте: «Билетру».
Заказать пакеты «Отель+шоу» можно на сайте компании «Аркия» или по телефону: *5758.
Дополнительная информация: https://www.jmj-israel.co.il/

Итак, 6 апреля Мертвое море станет центром Вселенной!

Посмотреть трейлер шоу на Масаде:  https://www.youtube.com/watch?v=ae81vYhjj0Q&feature=youtu.be

Все материалы предоставлены организаторами мероприятия.

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

В преддверии гастролей в Израиле балетного ансамбля Jessica Lang Dance

— Джессика! Добрый день. Апрельские гастроли – ваш первый приезд в Израиль, в страну, любители балета в которой ежегодно могут посещать десятки гастролей трупп модерн-балета, в том числе и из США, в том числе и из Нью-Йорка. Как такой город – пусть и мегаполис – вмещает столько балетных театров? Не явилась ли теснота одной площадке причиной того, что ваш театр базируется в Лонг-Айленд-Сити в Квинс? Вы следовали примеру того, что сделал Марк Моррис в Бруклине?

— Нью-Йорк переполнен вообще, и, в частности, переполнен искусством. Но это мой город, это место, где я живу и никуда не собираюсь уезжать. Наша же группа и школа действуют сейчас в Лонг-Айленд-Сити – это самая дальняя западная точка Квинса. Очень интересный квартал, развившийся из индустриальный зоны в крупный жилой массив: мы живем рядом с выставочным комплексом MoMA PS1. Безусловно, я была вдохновлена примером Марка Мориса и его бруклинской карьерой. Но моя семья предпочитает Квинс, нам нравится здесь жить, мы пустили здесь корни лет 10 назад, так что вполне логично было устроить тут дом не только для себя, но и для моего театра и моей компании.

" data-image-meta=""0"}" data-image-title="Джессика Ланг" data-large-file="https://i1.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/03/Джессика-Ланг.jpg?fit=209%2C264" data-medium-file="https://i1.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/03/Джессика-Ланг.jpg?fit=209%2C264" data-orig-file="https://i1.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/03/Джессика-Ланг.jpg?fit=209%2C264" data-orig-size="209,264" data-permalink="http://www.israelculture.info/jld2/dzhessika-lang/" height="548" lj-cmd="LJImage" src="https://i1.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/03/%D0%94%D0%B6%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BA%D0%B0-%D0%9B%D0%B0%D0%BD%D0%B3.jpg?resize=434%2C548" width="434" />

Джессика Ланг. Источник — фото — http://www.jessicalangchoreographer.com/

— Вас называют мастером визуальных композиций. Вы ставили балеты под влиянием таких художников, как Мондриан, японского фотографа Шиничи Маруяма– автора «водных» скульптур… Вы придаете двумерной живописи четыре измерения – три пространственных и дополнительное – время-движение… Как вы переводите линию и цвет в танец?

— Если ответить одним словам на вопрос «как?» — то вот как: неосознанно. Точнее — интуитивно. Перед тем, как заняться той или иной постановкой, создать хореографию того или иного спектакля, я провожу массу исследований — это могут быть поиски определенных работ, исследования в специфических областях культуры и искусства, разработка концепции. Чтение, просмотр материалов, разговоры. Как-то во сне я увидела красную линию – как на картинах Питера Мондриана. И то, как один из моих танцовщиков, одетый в красное, эту линию вытанцовывает… А потом я просыпаюсь, иду в студию, и, скажем так, выражаю в танце и в движении реакцию тела на ментальные впечатления, физическую реакцию на эмоциональный груз, на чувственные идеи. Для меня живопись – это не просто поверхность, линии, краски, а история, стоящая за каждой картиной, переход абстракции в повествование. Я сама не знаю точно, как и почему приходит то или иное решение — просто делаю, прислушиваюсь к себе и в некий момент чувствую, что нахожусь на правильном пути. А вообще я очень хочу поставить балет в музее и переезжать на гастролях из музея в музей, а не из театра в театр…

— Вы сотрудничали с архитектором Стивеном Холлом. Его архитектурные объекты использовались как часть пластического действия на сцене в вашем балете «Течение времени» (Tesseracts of Time) в рамках Архитектурного биеннале в Чикаго в ноябре 2015 года. Насколько сильно влияние site—specific в современном балете?

— Я была в восхищении и продолжаю восхищаться архитектурными задумками Стивена Холла. И потому под впечатлением его творчества придумала танец, интегральной частью которого стали элементы конструкций построенных им зданий. Именно частью рисунка танца, а не декорациями или оформлением сцены. Архитектурные структуры стали эпизодами в хореографической композиции, фрагментами Tesseract. Не думайте, конечно, что на сцене стоит бетономешалка и возводятся строительные леса. Есть часть готовых конструкций, часть сделаны из парусины, и мы также использовали и используем видео- проекции – это было необходимо для танцоров. Необходимо для того, чтобы они привыкли к этому уникальному пространству, изучили его, научились двигаться с учетом необычных углов и поворотов, арок и стен. Парадоксально, но конкретно этот балет вовсе не «site-specific» — скорее, это наш хоммаж, наше посвящение современной архитектуре. Посвящение и восхищение ею.

«Thousand Yard Stare» by Jessica Lang Dance Co.  © Todd Rosenberg Photography 2015

 — Кто ваш художник по костюмам — может ли его стиль повлиять в конечном итоге на рисунок танца? И кто ваши любимые писатели и композиторы – насколько вы отталкиваетесь в своем творчестве от литературы и музыки – классической и современной? К примеру, у вас есть работа Sweet Silent Thought, поставлена по сонетам Шекспира…

— Мой постоянный дизайнер по костюмам – Брендон Мак Дональд. Когда-то мы вместе учились в Джульярде, и сейчас, 20 лет спустя, вновь встретились и начали вместе работать, сотрудничать в ряде проектов. Брендон прекрасно понимает все мои задумки. А что касается писателей и композиторов — тут нет однозначных ответов. Мои вкусы и в музыке и в литературе широки, у меня нет фаворитов или любимчиков. Ну а Шекспир… Шекспир — это всегда бесспорно и когда в прошлом, 2016-м году, отмечали 400 лет со дня его смерти по инициативе Британского Совета, проводившего по всему миру фестиваль Shakespeare Lives – обращенное ко всему миру приглашение открыть для себя Шекспира и соприкоснуться с его творчеством через новые театральные постановки, фильмы, мультимедийные проекты, выставки и другие события, и в чем-то и переосмыслить его наследие, я поставила балет, вдохновившись сонетами великого барда.

– Вы используете в ваших балетах множество аксессуаров, объекты, ткани, предметы оформления сцены… Это дар увлечению живописью?

— Танец для меня – это сочетание движения и пластики, искусства балетного и визуального. Я люблю в своей хореографии одновременно перемещать объекты и тела – как рисовать сразу двумя красками или двумя кистями. Здесь есть игры с пространством и некий фокус, трюк – танцор может спрятаться за реквизитом и появиться неожиданно в другом углу площадки. Таким образом, я, черпая вдохновение в окружающем мире, создаю на сцене уникальную среду – уникальную картину, если пользоваться терминами из живописи. Еще раз повторю: я убеждена, что танец — это не только исполнительское искусство, но и визуальное. Точнее, это два искусства, слитые в одном. Это мое кредо и кредо моей хореографии.

— Насколько равноценны в хореографии импровизация и техника? Что превалирует в вашей манере работы?

— Импровизация для меня – это отправная точка, это старт в процессе создании нового. Я – эмоциональный человек, но мои же эмоции полностью противоречит моей технике, виртуозности, отточенности.  Так что когда мы уже начинам работать, то во главе угла становится техника, профессионализм, система обучения танцовщиков в моей компании. Таким образом, мы объединяем исследования движения, и наследуем традициям, сохраняем школу. И, в конце концов, в окончательном варианте спектакля импровизация не допускается вообще – ни капли, ни намека. Музыкальная концепция, геометрические композиции и построение танца – все рассчитано и многократно отрепетировано, подогнано друг к другу как в тех самых архитектурных конструкциях.

– Часто хореографы modern—dance дают свои балетам названия ни к чему не привязанные, случайные, ассоциативные. У вас же в каждом названии кроется смысл – так ли это?

— О! Вы правы! Я подолгу продумываю названия своих балетов, считая, что название спектакля – это намек. Это связь со зрителями до того, как они придут в театр возможность сказать им что-то до того, как они увидят спектакль. Мы действуем на все органы чувств, на все сферы чувств – и слова названия нам помогают. Слова становятся штрихом на общей картине.

«Thousand Yard Stare» by Jessica Lang Dance Co. © Todd Rosenberg Photography 2015

– Насколько сильно повлияла на вас работа в компании Туэйлы Тарп (Twyla Tharp). Какие современные хореографы близки вам по своему восприятию искусства танца?

— Я попала в театр танца Туэйлы Тарп после окончания учебы в Джульярде. Мое пребывание в ее группе только укрепило меня в убеждении, что танец – это техника, благодаря которой мы может выразить свои чувства, это эмоциональная реакция в движении — отражение идей и концепций. Именно такой подход я и вижу в современном американском балете в целом – как в хореографии, так и в технике modern-dance. Туэйла Тарп позволила мне стать самостоятельной, научила просчитывать сразу несколько вариантов движений и, кстати, также научила меня использовать видеокамеру на репетициях.

– Вы – единственный хореограф в своей компании. Не сужает ли это горизонты творчества для ваших танцовщиков?

— Нет!!!

— Вы начали танцевать в три года, серьезно заниматься танцем в 14 лет, учились в Джульярде с 1993 года, танцевали у Туэйлы Тарп. Занимаетесь хореографией с 1999 года, ставя балеты для десятков ансамблей, создали около 100 работ, вы – лауреат престижнейшей премии «Бесси» (Bessie Award). С 2011 у вас свой театр… Что может быть дальше, когда планка поднята настолько высоко – какие планы, какие цели, какие мечты?

— Я по характеру довольно целеустремленна и сконцентрирована. У меня всегда есть планы и задумки – и для себя лично и для моей компании. Но все эти планы возникают не из воздуха, а из ежедневной работы и сотрудничества с окружающим меня людьми: мы строим наше будущее шаг за шагом, но точно в направлении цели. Как раз в эти дни мы продолжаем наше турне по 29 городам США. Я работаю в этом году над постановками нескольких опер и создаю большой проект для своей  труппы «JessicaLang Dance» — JLD в 2018 году. Рискую показаться банальной,  но чем больше мы заняты, тем более избирательными мы должны становиться в том, какими областями творчества мы занимаемся. И, конечно, мы будем продолжать развивать те образовательные программами танца и движения, которые мы разработали в нашей компании. И всегда, всегда меня будет интересовать эволюция тела в танце! Так что есть еще что делать.

 «Джессика Лэнг Данс» («JessicaLang Dance» — JLD)
Программа, которая будет показана в Тель-Авиве 20, 21 и 22 апреля 2017 года, состоит из серии одноактных балетов.

Соло Баха

Поставлено в 2008 году на музыку Йогана Себастьяна Баха — шесть сонат и скрипичное соло. Виртуозный классический танец, безукоризненные костюмы и чистейшее исполнение скрипичных соло сонат и партий Баха.

Тихие сладкие думы

Поставлено в 2016 году по мотивам пяти сонетов Шекспира.

Одна из последних работ Джессики Лэнг, созданная к 400-й годовщине со дня смерти Шекспира. Музыка — композитор Джейкоб Чупински

Размышления о течении времени, любви и смерти.

Взгляд на тысячу ярдов

Постановка 2015 года.

Музыка – струнный квартет Людвига Ван Бетховена, написанный им, когда Бетховен боролся с болезнью.

Идея постановки — передать эмоции и чувства людей, переживших посттравматический синдром. В процессе работы Джессика Лэнг встречалась со многими военными и психотерапевтами, чтобы узнать об их опыте. Она изучала их реакцию на разные музыкальные отрывки. Ее исследование включало в себя темы военной травмы, стресса, нервного расстройства, и влияния музыки, как инструмента арт-терапии.

Вызов

Постановка 2006 года

Солистка Кана Кипра танцует под музыку трио «Medieval», исполняющего вокальную композицию «O Maria, stella maris».

«Божественный балет … Прекрасные движения плавно сливаются с лирическим пением, полностью гипнотизируя зрителей»

Белое

Постановка 2011 года

Танец и видео-арт на музыку Эдварда Грига.

i.n.k.

Постановка 2011 года. Видео-арт Шиничи Маруяма. Сочетание танца, музыки и видео-арта.

Композитор — Джейкоб Чупински.

Балет был поставлен специально в честь 10-летия Нью-Йоркского хореографического института, отмечавшегося в ноябре 2010 года, при поддержке фонда Братьев Рокфеллер
Jessica Lang Dance 
20 апреля, четверг, 20:00

21 апреля, пятница, 13:00

22 апреля, суббота, 20:00

Сайт Jessica Lang Dance (JLD) — http://www.jessicalangdance.com/
Линк на видео: https://www.youtube.com/watch?v=3FUA7IN1YFo

Дополнительная информация и билеты в кассе Израильской оперы по телефону 03-6927777 или в «Браво»: http://bestbravo.co.il/announce/55257

 Статья о театре Джессик Ланг —  http://www.israelculture.info/jessica-lang-dance/

Маша Хинич. Фотографии предоставлены организаторами гастролей и пресс-службой Израильской Оперы

">

Вскоре новый спектакль «Маша и Медведь. Сундучок счастья» приедет к нам на гастроли, и только зрители, пришедшие на представление, смогут узнать, что же это за счастье и почему оно лежит в сундуке!

Автором идеи, сценаристом и со-продюсером проекта «Маша и Медведь» является Олег Кузовков, за плечами которого 25-летний опыт работы мультипликации. В основу анимационного сериала была положена знакомая всем с детства сказка о Маше и Медведе, но существенно обыгранная, с эффектом новизны. Проследив за приключениями героев и посмеявшись над комичными ситуациями, в которые попадают персонажи, в особенности Медведь, дети усваивают важные уроки:  ведь сама история не только смешная, но и поучительная. По признанию Олега Кузовкова, идея сделать анимационный сериал «Маша и Медведь» зародилась у него в голове 20 лет назад после отдыха на Черном море. На пляже была маленькая, но очень активная девочка «без комплексов», которая своими вопросами и своей активностью через пару дней заставила всех взрослых зарываться в гальку и заплывать за буйки. Так что у непоседы Маши есть реальный прототип. Ждать пришлось больше десяти лет. Во второй половине 2007 года Кузовков вернулся к этой теме, написал 8 сценариев проекта и подготовил предложение по созданию студии. Вскоре инвестор нашелся, и проект стартовал.

Целевая аудитория мультсериала и спектакля – это дети от 2 до 7 лет, однако его сложно назвать только детским. Более правильно будет определить его как семейное шоу, так как его любят смотреть не только дети, но и родители. Тема взаимоотношений ребёнка и взрослого вечна, а ситуации, подобные тем что описаны в мудльтфильме,  в сериях происходили, наверное, с каждым, поэтому нет ничего удивительного в такой симпатии к мультсериалу не только со стороны детей и взрослых.

В команде создателей мультсериала более 70 человек. Одна серия производится студией в течение 4 - 5 месяцев – и это после получения сценария, раскадровок и предварительной анимации. Но поскольку одновременно в работе находится до 4-х серий, то выходят они примерно раз в 5-6 недель – в год получается 8-9 серий основного сериала. Основного, потому что в проекте есть и еще 2 сериала про Машу – «Машины Сказки» и «Машкины Страшилки». Это отдельные 26-серийные проекты, в первом из них Маша рассказывает своим куклам известные сказки, а во втором – «страшные» истории, которые оказываются совсем не страшными.

Всё начинается со сценария, который придумывает основатель студии Олег Кузовков. Темы иногда подсказывают многочисленные зрители в социальных сетях, но в большинстве это классические сюжеты дружбы двух основных персонажей – Маши и Медведя, с привлечением большого круга их друзей.

С самого начала создатель мультфильма общались с аудиторией через социальные сети. Они позволяют быть максимально близко к целевой аудитории, в интерактивной форме информировать о самых важных новостях. На официальную страницу в Facebook подписаны 5,2 млн. человек. Также у «Маши и Медведя» есть локальные страницы для испанской, португальской, немецкой, французской, голландской, итальянской и даже китайской аудитории, адаптированные с учётом особенностей каждой страны. Официальная группа в ВКонтакте насчитывает 418 тысяч человек, в Одноклассниках - 252 тысячи человек. Немаловажной социальной площадкой является YouTube. На этой платформе есть 8 языковых каналов «Маши и Медведя», а также специальный музыкальный канал, так как музыка нашего постоянного композитора Василия Богатырева и песни из сериала очень популярны на всех языках. На русскоязычном канале – MashaMedvedTV – 9,3 миллиона подписчиков. Канал собрал более 20 млрд. просмотров за всё время своего существования, а серия «Маша плюс каша» с 2,0 млрд. просмотров входит в 6-ку самых просматриваемых видео в мире. Также помимо социальных сетей новости представлены  на официальной странице http://mashabear.ru/и www.animaccord.com.

С самых первых серий мультфильм активно отправляли их на все международные анимационные фестивали, собрав при этом более 20 международных наград. В том числе и Best Animation Awards – 2015 на фестивале KidScreen в Майами – главной площадке для телевизионного рынка детских программ в мире. И везде, даже если это был не главный приз, то «Маша и Медведь»  получали либо приз детского жюри, либо приз зрительских симпатий. Сериал Маша и Медведь входит в рейтинг лучших мировых фильмов. В Европе «Маша и Медведь» входят в пятерку самых популярных персонажей, в Израиле, Индонезии, Чили, Бразилии, Тайване – сравнимы по попу-лярности с персонажами Диснея и продолжают набирать популярность. Но, главное, что за 9 лет этот  сериал  полюбили дети всего мира.

Сайт сериала - http://mashabear.ru/
Расписание гастролей:

Ашдод, матнас «Дюна-Юд», 7 апреля 2017, иятница, 17:00

Кирьят-Хаим, зал «Бейт-Наглер», 8 апреля 2017, суббота, 11:00

Нацерет-Илит, матнас «Беркович», 8 апреля 2017, суббота, 18:00

Петах-Тиква, Гейхал ха-Тарбут, 9 апреля 2017, воскресенье, 17:30

Беэр-Шева, Гейхал ха-Тарбут Гистадрута, 11 апреля 2017, вторник, 12:00

Реховот, зал «Викс» в Институте Вайцмана, 12 апреля 2017, среда, 18:00

Ашкелон, Гейхал ха-Тарбут, 13 апреля 2017, четверг, 17:30

Ришон ле-Цион, зал «Мофет», 14 апреля 2017, пятница, 17:00

Хайфа, зал «Раппопорт», 15 апреля 2017, суббота, 11:00

Маалот, новый Гейхал ха-Тарбут, 15 апреля 2017, суббота, 18:00

Холон, матнас «Штейнберг», 16 Апреля 2017, Воскресенье, 18:00

Ашдод, матнас «Дюна-Юд», 17 апреля 2017, понедельник, 18:00

Нетания, Гейхал ха-Тарбут, 18 апреля 2017, вторник, 18:00

Продолжительность спектакля 2 часа с антрактом

Линк на видео:https://www.youtube.com/watch?v=eeWUtYCgSag

Заказ билетов на сайте продюсера гастролей – компании Rest International. Для заказа по телефону звоните 03-7795779

Фотографии (© - Павел Поляков) предоставлены организатором гастролей спектаклей «Маша и Медведь» в Израиле – продюсерской компанией Rest International

В июне этого года в Израиле с четырьмя концертами выступит Юрий Шевчук с программой «Акустика». У него по-прежнему удивительно молодой голос, но надрыв и ощущение битвы никуда не ушли. Как не ушли честность и чистота. Акустика — самый честный и чистый формат музыки. Каждый звук – значим, каждое слово – решающе, все интонации несут эмоциональную насыщенность. Двухчасовая программа «Акустика» появилась после программы-манифеста «Иначе» и музыкального вздоха альбома «Прозрачный — душевная, поэтическая и философская программа, более нежная, камерная, тихая, пастельная, акварельная. Это история не звука, а слова. Это четыре музыканта и динамичный диалог с публикой, атмосфера музыки, поэзии и душевного разговора. «Акустика» собрана из песен разных лет, от дебютного альбома до последних композиций этого года. Акустические аранжировки показывают знакомые песни с новой стороны, хотя многое из того, что было написано 20 лет назад, осталось актуальным и сегодня. Форматы этих песен разнообразны, а общая тема у них одна – любовь. Любовь к жизни, к женщине, к Петербургу, к планете Земля.

«Чем дольше живешь, тем больше смысла видишь в простых вещах» — говорит Юрий Шевчук, сам, как и его творчество, ставший часть новейшей истории. «Акустика» — это неиссякаемая философия, это The Best Юрия Шевчука, позволяющее прикоснуться к сложному внутреннему миру настоящего поэта, музыканта, художника и просто обычного человека. Ведь сольники Шевчука чем-то напоминают «квартирники». Те самые, с которых он начинал свою музыкальную карьеру в 1985 году, когда его группа только набирала популярность «Акустика» – это непринужденное общение со зрителями: песни вперемешку с чтением стихов, репликами и диалогами с залом. Глубина и пронзительность, в которых главное – слово. Остальное — детали. Сольные концерты в исполнении Шевчука довольно редкое явление, поэтому поклонников его творчества ждет удивительное событие.
Звучание группы Шевчука — ДДТ — за время существования кардинально менялось: от ритм-энд-блюза до индастриал и инди-музыки. Иногда становилось решительней, иногда объемнее и лиричнее. В репертуаре были и философские вальсы, и рок-баллады, и сатирические басни, и поэтические чтения. Но главное, за что любят ДДТ, остается неизменным — их интерес и любовь к человеку в это непростое время перемен.

Юрий Шевчук. Фото © Андрей Федечко

Юрий Шевчук всегда занимал в русском роке особенную нишу. Главные вехи в жизни лидера ДДТ можно описать простым перечислением песен, ставших популярными в масштабе России.

Написанная в 1981 году в Уфе, песня «Дождь» из всех хитов ДДТ, наверное, самая ранняя. Все помнят пацифистскую песню «Не Стреляй!» (1982 год). Говорят, именно тогда группа и нареклась своим «химическим» названием. «Я получил эту роль» — горькая исповедь молодого человека в позднюю советскую эпоху (1984 год). В «Ленинграде» чувствовалось радостное предвкушение перемен (1987 год). «Предчувствие Гражданской Войны» написана в 1988 году. Горький хит «Родина» Шевчук написал в 1989 году после прочтения гениального романа Бориса Пастернака «Доктор Живаго». В тексте появились «чёрные фары у соседних ворот», «переполненная плаха» и куплет про «Бога-отца». Позже в 1991 году ДДТ записали песню «Рождённый в СССР», отреагировав на распад Союза. И только в 1992 году пресловутая «Что такое осень» принесла Шевчуку массовую народную любовь. Второй хит про любимый город «Черный Пес Петербург» (1992) — настоящий русский блюз, тяжелый и сумрачный. Ещё одним хитом стала красивая песня «Ты не один», на которую был снят запоминающийся клип с дальнобойщиком и бегущей собакой. В альбоме «Это всё» (1994 год) нет ни одной проходной песни. Самая известная песня о Чеченской войне – «Мертвый город. Рождество» (1995 год). Песня «Любовь» (1995 год) родилась из бегства Шевчука в деревню — чтобы не сойти с ума от увиденного в Чечне.

Можно и дальше перечислять знакомые всем названия любимых песен, важно понимать — слушатели Шевчука вместе с ними успели пожить в трех разных эпохах, пережить невозможное, кажется, научились жить снова — в новом времени и новой реальности.

Официальный сайт группы ДДТ — www.ddt.ru
Линки на видео: https://www.youtube.com/watch?v=VyOY4SShCjE
«Любовь не пропала» — https://www.youtube.com/watch?v=Jv8aQzHXYpc

Юрий Шевчук. «Акустика» в Израиле — с 11 по 17 июня.

11 июня 2017, воскресенье, Тель-Авив, театр «Гешер» — зал «Нога», 20:00

13 июня 2017, вторник, Реховот, зал «Викс» — институт имени Вайцмана, 20:00

16 июня 2017, пятница, Беэр-Шева, Центр сценических искусств — большой зал, 20:00

17 июня 2017, суббота, Хайфа, «Аудиториум», 20:00

Заказ билетов на сайте продюсера гастролей – компании Rest International, организаторе эксклюзивных мировых проектов в Израиле – www.restinter.com. Для заказа по телефону звоните 03-7795779

Фотографии Юрия Шевчука предоставлены пресс-службой группы ДДТ (© Андрей Федечко)

">

Цирк «Браво» - прыжком из Бразилии
Цирк «Браво». Jumping to Brazil. Подскочить в Бразилию? Легко! Просто приходите в Цирк «Браво». Jumping to Brazil — представление для всей семьи на Песах 2017. Цирк «Браво» — интернациональный коллектив, собирающий под своим куполом циркачей со всего света. Представления цирка Браво сочетают в себе яркую, броскую эффектность бразильских акробатов, невероятные физические возможности монгольских гимнастов, наполненные сумасшедшей энергетикой номера эфиопских артистов, демонстрирующих как классические цирковые номера, так и номера, придуманные в Африке, захватывающие дух трюки канатоходцев, невероятную гибкость феноменальной женщины-змеи, выступления с шестом, самых веселых на свете клоунов, гигантские мыльные пузыри и — прямиком из Цирка дю Солей – выступления международного циркача Бернарда, который просто оставит публику с открытым ртом. До 17 апреля - по всей стране.

Заказать билеты http://www.adamprod.co.il/tix
http://incontestability/announce/54819
Страница в фейсбуке — https://www.facebook.com/AdamBenOr.ru

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Фестиваль «Детский Песах» в Музее Иланы Гур в Старом Яффо.
Пижамная вечеринка в музее – в четверг, 13 апреля в 16.30.
Показ фильма «Маленький принц» с дублированием на иврит (дубляж – сам Шломо Арци). Плюс театрализованная экскурсия для детей и легкое угощение. Вход детям в пижамах и с подушками.
«Ищи сокровище» - игра для детей в музее в воскресенье, 16 апреля, в 11.00 – театрализованная экскурсия по музею и творческие кружки на темы пасхальных историй.
Страница фейсбука музея – https://www.facebook.com/ilanagoormuseumoldjaffa/
Сайт музея - http://www.ilanagoormuseum.org/

Страница мероприятия – здесь.
Заказ билетов по телефону 03-6837676#20

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

WiPark - это два часа непрерывного телесного счастья: прыгайте в свое удовольствие в батутном парке в Холоне. Тугие батуты (Wipeout) и огромные надувные аттракционы парка развлечений WiPark словно специально созданы для того, чтобы сделать незабываемыми, полными острых ощущений пасхальные каникулы. WiPark - это спорт и развлечения под одной крышей, место, где вам подарят незабываемые эмоции от ощущения полета и преодоления гравитации. WiPark - это два часа непрерывного телесного счастья: прыгайте в свое удовольствие!
Зака билетов: *8780 или https://www.leaan.co.il/

“Ананасы в шампанском! Ананасы в шампанском!

Удивительно вкусно, искристо́ и остро́!”

Ананасы в шампанском! Ананасы в шампанском!

Из Москвы — в Нагасаки! Из Нью-Йорка — на Марс!

Эти строки Игоря Северянина как нельзя более точно отражают характер  новой постановки театра Гешер - Мариенбад. Словно бокал холодного шампанского в жаркий полдень. Отличный спектакль, полный драйва и энергии.  Полные юмора  диалоги и мизансцены, прекрасные декорации и слаженный актерский ансамбль, играющий в унисон, точно попадающий в ноты. Еще одна жемчужина в репертуаре нашего любимого театра.
Мариенбад… Мариенбад - это вам не рай  для  пенсионеров под названием марианские Лазни. Мариенбад -  это наэлектризованная атмосфера курортных романов, гройссе-кавалеров, хорошеньких женщин, кружевных платьев и зонтиков, того самого условного шампанского, которым пузырится беспечная нега фешенебельного  курорта. Мариенбад - это ушедшая эпоха  ( Марианские Лазни - унылая социалистическая. Может оттого такое впечатления, что я бывала там по работе и все время - зимой. Хотя тамошние воды хороши, гораздо лучше карлово-варских)
Но на сцене Гешера - тот самый блестящий Мариенбад. Хмельные от солнца, шампанского и свободы герои, вырвавшиеся  не “ из Москвы в Нагасаки” , а из хмурой  дождливой Варшавы на “югА”.  Жизнь курорта и жизнь оставшихся дома родных и близких не пересекаются, как параллельные прямые. Под ногами героев громоздятся горы писем и записочек, а “с небес”, из-под колосников сыпятся все новые и новые. Любовь и ревность, наивное плутовство и расчетливые интриги, зависть и коварство… Действие динамично, раскручивается с энергией сжатой пружины. Игре актеров хочется постоянно аплодировать прямо посреди спектакля. После него - хочется танцевать. Зрителя так и расходились - приплясывая.

В шумном платье муаровом, в шумном платье муаровом 

По аллее олуненной Вы проходите морево... 

Ваше платье изысканно, Ваша тальма лазорева, 

А дорожка песочная от листвы разузорена 

Точно лапы паучные, точно мех ягуаровый. 

Для утонченной женщины ночь всегда новобрачная... 

Упоенье любовное Вам судьбой предназначено... 

В шумном платье муаровом, в шумном платье муаровом 

Вы такая эстетная, Вы такая изящная... 

Но кого же в любовники? и найдется ли пара Вам? 

Ножки пледом закутайте дорогим, ягуаровым, 

И, садясь комфортабельно в ландолете бензиновом, 

Жизнь доверьте Вы мальчику в макинтоше резиновом, 

И закройте глаза ему Вашим платьем жасминовым 

Шумным платьем муаровым, шумным платьем муаровым!..

Все сказанное в Мариенбаде слышно в Варшаве. И если в Мариенбаде кто-то чихнет – в Варшаве ему скажут: "Будь здоров!"

Состоятельные варшавские евреи, особенно варшавские и одесские дамы, решив ,что их  здоровье надорвано, а жизнь слишком утомительна и требует отдыха на водах, отправляются на курорт в Мариенбад. Там, у целительных источников ,на строжайших диетах лучших европейских врачей они смогут восстановить свои иссякшие силы и избавиться от груза лишнего веса. Их письма домой полны жалобами на изнурительный курортный режим. Их буквально пытают голодом и мучают бесконечной гимнастикой… На самом деле, в этом очаровательном городке, полном соблазнов и удовольствии, изможденные дамы вместе с  вновь приобретенными кавалерами, ведут бурную жизнь, полную интриг,  гурманства и  веселья. Некоторых из буржуазных соблазнов не избежал даже Франц Кафка, который лечился в Мариенбаде в 1916-м году. «Конечно, Мариенбад гораздо приятнее Карлсбада, — писал он своему другу Максу Броду, — только туда и стоит ехать. Итак, ты завтракаешь на Дианахоф (свежие яйца, мед, молоко, масло). Оттуда быстренько идешь на Максталь, где можно отведать чудесную простоквашу. Затем бежишь в “Нептун” — метрдотель Мюллер уже ждет к обеду. После обеда, чтобы облегчить тяжесть, несешься в лавку фруктовщика, потом опять простокваша — и пришло время отходить ко сну».
Эта переписка, не роман, а путаница в 36 письмах,14 любовных записках и 46 телеграммах,представленная в книге Шолом-Алейхема с присущим только ему иронией и юмором, вызывает невероятный переполох, который угрожает подорвать жизнь не только еврейской общины, но и сам священный  институт брака. Ведь то, что происходит в Мариенбаде, никогда не остается в Мариенбаде.

Действующие лица и исполнители

Шломо Корландер:Дорон Тавори

Бельца Корландер: Рони Эйнав

Хаим Сорокер: Алон Фридман

Эстер Сорокер/ Броня Лойперман: Нета Шпигельман

Меир Марьямчик: Исраэль (Саша) Демидов

Ханца Марьямчик/ Лаца Бройхштоль: Светлана Демидова

Перла Ямайкер (Ямайчиха):Лилиан Рут

"Три носа"    (дочери Перлы): Дор Михаэли, Хилель Капон, Паоло Э. Моура

Вельвель Ямайкер/ Герш Лойперман: Виталий Фукс

Свирский/ Кальман Бройхштоль:Александр Сендерович

Д.-р Зайднер: Генри Давид

Хавале Чапник: Кармель Кандель

Кондуктор/ официант/певец/ведущий: Дор Михаэли

Шева- Рохель: Анжела Штейнгарт

Пианист: Борис Зимин

Постановка: Амир И. Вольф

Сценография: Адам Келлер

Костюмы: Ваня Боуден

Музыка: Рони Решеф

Свет: Александр Сикирин

Звук: Михаил Вайсбурд

Движение: Михаил Вайсбурд

Сценическая речь: Йони Лукас

Ассистент режиссера: Хадас Шер

Помощник режиссера: Татьяна Суханова

Заглавное фото   фотограф Ради Рубинштейн

В дни праздника Песах - с 12 по 15 апреля в Центре Сузан Далаль пройдет фестиваль «Танго Буэнос-Айрес» при участии Маркоса Аяла, одного из лучших танцоров танго в мире. В программе фестиваля две милонги со свободным вход для поклонников танго. Обратите внимание на дополнительные даты и часы представлений.

Шоу «Танго Буэнос-Айрес» Маркоса Аяла в исполнении 12 выдающихся профессиональных танцоров («Путешествующее шоу со вздохом женщины...» - Semanario Argentino), которое предстоит увидеть израильским зрителям - завораживающее театральное действо под чувственную музыку, переносящую нас в экзотическую (и в немалой степени и эротическую) атмосферу улиц и баров Буэнос-Айреса. Знойные ритмы и элегантность танцоров увлекают зрителя в омут страсти. Танец, где партнеры в постоянном движении, где мужчины в смокингах и лакированной обуви и женщины на высоких каблуках и в роскошных платьях рисуют его сложный узор. Маркос Аяла и его партнерша Паола Камачо - идеальная танцевальная пара. Их синхронность, техника, интерпретация, виртуозность вызывают изумление.

Один из ведущих современных танцоров танго, названный «властителем сцены», создатель шоу «Танго Буэнос-Айрес» Маркос Аяла, представляет жанр танго во всех его направлениях. Его целью является сохранить интерес к танго у будущих поколений, через современный и инновационный подход к традиционному жанру.

Поэтому не случайно, что шоу созданное в 2010 году, с огромным успехом идет на самых знаменитых мировых площадках. Оно захватывает аудиторию своим рассказом истории Буэнос-Айреса через музыкальный стиль, одежду и обычаи, раскрывая дух танца, его чувственность и харизму - дух, оставшийся актуальным и доживший до наших дней.

Танго возникло в Буэнос-Айресе и считается национальным символом Аргентины. По одной из версий, слово танго возникло от латинского tangere - прикосновение. Танец возник в трущобах на окраине Буэнос-Айреса, в эпоху бурного развития столицы, в районах, заселенных маргинальным элементом – эмигрантами, военными беженцами, кочевыми гаучо. Это была культура нужды, где музыка была ярким и достоверным выражением пессимистического существования, осознания суровой реальности и жизни, полной лишений.

Маркос Аяла родился в столице Аргентины, с раннего детства танцевал в традиционных танцевальных коллективах. Его яркий талант сразу привлек к нему внимание. Став профессиональным танцором, Маркос начал работать преподавателем в Национальной школе танца. Кроме того, он изучал технику классического танца, стили модерн, джаз, парные танцы и, разумеется, танго.

В 2006 году, в возрасте 19 лет, он занял первое место в чемпионате мира по танго, проходившем в Японии. В 2010 году он основал свой собственный коллектив и начал выступать по всей стране, а затем и по всему миру. Его творческий подход и сочетание техник подняли танго на новую высоту.

В 2014 году Маркос Аяла принял участие в популярной телевизионной программе «ShowMatch» Марчелло Тинли, после чего получил широкое признание во всей Аргентине. Маркос также участвовал в представлениях знаменитого Cirque de Soleil как приглашенный хореограф, в фильмах и в клубе танго Bajo Fondo, в качестве приглашенной звезды выступал в главной роли в театре «Бакале Коринатис» в Буэнос-Айресе, удостоился самых высочайших похвал в аргентинской прессе, а также в США и многих других странах. Он был назван «открытием танго» и «самой молодой сенсацией танго».

В 2015 году, после завершения длительного турне по Соединенным Штатам, это шоу было награждено ассоциацией международных критиков Нью-Йорка «Latin Ace Awards 2015» титулом «лучшее музыкальное шоу года» в знак признания его вклада в эту область и его молниеносного взлета.

В 2016 году Маркос Аяла гастролировал в 12 городах России. Шоу «Танго Буэнос-Айрес» пользовалось огромным успехом и получило восторженные отклики. Таким образом, было отмечено международное признание, и сегодня Маркос Аяла считается одним из лучших танцоров танго в мире, представителем танго 21-го века.

Как это принято в танцевальной культуре танго – во время выступлений в Центре Сюзан Далаль можно будет принять участие в танцевальном вечере - в милонге. Он пройдет на площади Центра Сюзан Далаль: во вторник, 11 апреля в 20:00 и в последний день Песаха, в пятницу, 14 апреля в 16:00, под руководством Сильвии Рахшмир. Вход свободный

Сайт шоу Маркоса Аяла - https://www.tangolovers.com/marcosayalatango.html

Линк на видео: https://www.youtube.com/watch?v=75tWDgJieXQ

11.04 - Милонга (открытый вечер), 20:00

14.04 - Милонга (открытый вечер), 16:00

Феерические представления танго в Центре Сюзан Далаль в дни праздника Песах с 12 по 15 апреля 2017 года:

12.04 – 20:00
13.04 – 18:00, 21:00
14.04 – 14:00, 21:00
15.04 – 12:30, 18:00, 21:00

Билеты в кассе «Браво»: *3221 или http://bestbravo.co.il/announce/54927

Дополнительная информация на сайте www.sdc.org.il

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Мировая премьера жемчужины классического балета – спектакля «Дон Кихот» Людвига Минкуса пройдет в Израиле с 12 по 18 апреля 2017 года. Новую постановку представит знаменитый театр «Русский балет» из Санкт-Петербурга. 

«Дон Кихот» – яркий, красочный, эмоциональный балет, полный блестящих хореографических решений. Его искрящаяся музыка радует слух и заставляет пускаться в пляс. « - это балет-праздник, который приносит людям прекрасное настроение. Незабываемая музыка Людвига Минкуса, безупречная хореография и исполнительское мастерство танцоров переносят зрителей в знойную Испанию и передают неугасающий огонь любви, - рассказывает Людмила Михайловна Брагина, директор театра «Русский балет» из Санкт-Петербурга. - Премьерный показ новой постановки балета «Дон Кихот» состоялся 23 февраля 2017 года в Эрмитажном театре в Санкт-Петербурге и прошел с огромным успехом. Это был настоящий праздник – праздник балета, музыки, красоты. Премьера была феерической!». 

Не каждый театр балета может похвастаться наличием «Дон Кихота» в своем репертуаре, и этому есть объективная причина - это сложный балет, как в постановке, так и в хореографии. Он насыщен сольными партиями, сочетающими отточенную виртуозную технику и выразительную актерскую игру. Знаменитые 32 фуэте с двойным поворотом в партии Китри, невероятный прыжок с подвисанием, усложненный вращением и двойным туром в воздухе, в пируэте Базиля - такие технические сложности под силу лишь самым выдающимся артистам.

Отличительной особенностью театра «Русский балет» является приверженность классическому балету: старым редакциям, в которых бережно сохраняется оригинальная хореография, безукоризненное следование канону, строгое соблюдение принципов классики, утонченный хореографический "петербургский"стиль. Увидеть балеты такими, как их замыслил Петипа, в других театрах сегодня практически невозможно. Точное соблюдение канона, принципов движения, выразительности и одухотворенности, создающих неповторимое обаяние танца - по этим признакам знатоки безошибочно определяют постановки русской классической балетной школы.

Именно эту постановку «Дон Кихота» в обновленной оригинальной хореографической версии Горского-Петипа в исполнении Петербургского Театра «Русский балет» увидят израильские любители балета в дни праздника Песах. Эта редакция входит в пятерку самых знаменитых и популярных балетов мировой классики, и остается одним из наиболее любимых зрителями спектаклей, дарящих публике яркие эмоции и праздничное настроение. Обилие живописных декораций,  ярких костюмов, которых более 100, создает на сцене неповторимый национальный колорит, атмосферу и настроение знойного испанского юга.

М.Петипа мастерски воплотил атмосферу жизнерадостности в динамичных, зажигательных танцах, естественным образом включив в хореографию «Дон Кихота» элементы испанских народных танцев. Вот что рассказала Людмила Михайловна Брагина о том, как шла работа с танцорами для достижения гармонии между классическим балетом и испанским стилем танца: «Мы сами неоднократно выступали в Испании. Артистам, солистам, педагогам-репетиторам хорошо известен менталитет испанского народа. Наши постановщики  воссоздали в точности стиль Испании и испанского настроения. Для создания ярких, убедительных образов испанских героев пришлось даже подключить психолога-аналитика, которая, поработав индивидуально с каждым артистом, смогла помочь им достичь психологически углубленного образа, вжиться в роль, для передачи зрителям всего многообразия эмоций и чувств.

Балет «Дон Кихот» - это парад танцев - искрометных, красочных, виртуозных, с великолепной щедростью рассыпанных по спектаклю во всем блеске и красоте. Танец служит естественным выражением действия, происходящего на сцене. Герои балета – не просто исполнители многочисленных танцевальных номеров, они живут в танце, выражают ими свои мысли и чувства».

Балет «Дон Кихот» входит в пятерку самых знаменитых классических балетов. И это неслучайно. Поставленный в 1869 году на потрясающую, не имеющую аналогов музыку Людвига Минкуса, балет остается одним из любимейших балетов многих поколений. Почти 150 лет с момент постановки - это рекорд «живучести» классического балета. Балет «Дон Кихот» на 8 лет старше всем известного балета «Лебединое озеро». Оба балета созданы выдающимся хореографом Мариусом Петипа.

«Дон Кихот» Театра «Русский балет» поставлен художественным руководителем театра – балетмейстером-репетитором Александром Ивановичем Маношкиным, в прошлом артистом Мариинского (Кировского) театра, педагогом-репетитором Ольгой Эдуардовной Шихановой и солистом Мариинского театра Сергеем Кононенко. Ведущие партии в спектакле «Дон Кихот» в постановке Санкт-Петербургского театра «Русский балет» исполнят Анна и Александр Войтины, Наталья Потехина, Ольга Рудакова, Наталья Сафонова и др.

Прикоснитесь к искусству классического балета, способному покорить без исключения все сердца, проникнуть в глубину человеческой души, заставив ее радоваться, ликовать, плакать и сопереживать.

Спектакли балета «Дон Кихот» пройдут:

С 12 по 15 апреля - в Тель-Авиве, в зале Оперного Театра имени Шломо Лахата (Израильская Опера).

17 апреля - в Беэр-Шеве, в «Центре сценических искусств»

18 апреля - в Хайфе, в зале Аудиториум
 

Билеты и информация в кассе «Браво» или по телефону *3221

Посмотреть видео: https://www.youtube.com/watch?v=UjMfvv-BqoA&feature=youtu.be

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Сайт Санкт-Петербургского театра «Русский балет»:  http://www.balet-spb.ru/ 

Фото: Марк Олич 

Фотографии предоставлены пресс-службой Санкт-Петербургского театра «Русский балет»

Пианист-виртуоз Денис Мацуев, столь блистательно проведший гастроли в Израиле в апреле 2016 года, вновь возвращается к нам в страну в мае 2017-го для того, чтобы дать несколько концертов с Израильским Филармоническим оркестром под управлением Зубина Мета и по его личному приглашению. В центре программы – 17-й концерт Моцарта – радостный и настолько красивый, что к месту процитировать Чайковского, сказавшего так: «По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная точка, до которой красота досягала в сфере музыки».

Мацуев — редкий пример классического музыканта, признанного не только в узких кругах специалистов, но и всеми любителями музыки. Он – феномен, уже четверть века доказывающий, что может сочетать виртуозность с подлинным чувством стиля и эстетикой. Он — глубоко укорененный в русской традиции пианизма, — вызывает у публики эмоции, на которые обычно способны спровоцировать только рок-звезды. Его впечатляющая техника и аккуратность игры вызывают восхищение, как и сочетание силы и разнообразия окраски игры.

Имя Дениса Мацуева неразрывно связано с традициями легендарной русской фортепианной школы, неизменным качеством концертных программ, новаторством творческих концепций и глубиной художественных интерпретаций. В прошлом, 2016-м году Денис Мацуев стал лауреатом Российской национальной музыкальной премии в номинации «лучший инструменталист года в классической музыке».

Стремительное восхождение музыканта началось в 1998 году после его победы на XI Международном конкурсе им. П.И. Чайковского в Москве. Сегодня Денис Мацуев — желанный гость центральных концертных залов мира, непременный участник крупнейших музыкальных фестивалей, постоянный партнер ведущих симфонических оркестров России, Европы, Северной Америки и стран Азии. Среди партнеров Дениса Мацуева по сцене всемирно известные коллективы. В 2010 году Нью-Йоркский филармонический оркестр представил публике свой 15.000-й концерт, рубеж, который не удавалось преодолеть до этого ни одному из когда-либо существовавших симфонических оркестров. Именно Денис Мацуев был приглашен для участия в качестве солиста и именно его пригласил маэстро Зубин Мета в Израиль в прошлом году для своих юбилейных концертов, в которых прозвучали произведения Чайковского, Шумана и Рахманинова. Сейчас Денис Мацуев будет вновь играть с оркестром под управлением Зубина Мета, но совсем иную программу. Всего 5 концертов – спешите услышать и увидеть в мае 2017-го.

Денис Мацуев – известнейший пианист современности, народный артист России, лауреат всех мыслимых международных конкурсов, хорошо знакомый и неожиданный, традиционный и провокационный. Лучшие дирижеры и оркестры мира считают за честь играть с Мацуевым. Его имя знакомо даже тем, кто не считает себя поклонником классической музыки. Он принадлежит к редкому числу музыкантов, которых мало слушать — на них обязательно нужно смотреть. Мир узнал о нем в 1998 году, после блестящей победы на конкурсе имени Чайковского. Сегодня его выступления расписаны на много лет вперед и с неизменным успехом проходят в лучших залах мира. В сумасшедшем ритме гастролей он меняет страны и континенты по нескольку раз в неделю. Сочетает классическое наследие музыкального прошлого с виртуальными концертами технологического настоящего.

Этот текст начат с упоминания того что Денис Мацуев – пианист-виртуоз. И потому к месту процитировать то, что сам Мацуев думает о термине «виртуозность»: «Я не считаю, что слово виртуозность приобрело дурной смысл сегодня. Расхожее мнение, что виртуозность – это только скорость и сумасшедшее владение инструментом на бешеных темпах, не соответствует действительности на самом деле. Виртуозность – это не только высокая скорость, это может быть и очень медленный темп, виртуозно можно играть даже паузы. Это умение передать идею произведения, с лёгкостью преодолевая технические сложности. Для меня виртуоз – это человек, который владеет всем арсеналом пианиста».

«Я играю для публики, это самый главный мой критик, — говорит Денис Мацуев. — И всегда готовлю что-то новое бисов, какие-то сюрпризы. Бисы — это разные эпохи, разные композиторы, разные стили, разные состояния. Это своеобразный спектакль и для меня тоже. У меня были рекордные выступления, когда я играл до 15 произведений на бис, а концерт при этом продолжался около трех часов. Публика меня заводила, и я не мог остановиться». А израильская публика «заводит» Дениса особенно. Не все знают, что в Израиле у него огромное количество друзей, что его дедушка по маминой линии – еврей, по папиной линии прадед был евреем. «Для меня еврейская культура всегда была очень близка. Я преклоняюсь перед талантом этих действительно выдающихся людей. Музыканты еврейского происхождения составляют костяк великих музыкантов и дирижеров двадцатого столетия. Целый пласт выдающихся людей. Музыка должна примирять, на мой взгляд. Яркий тому пример Зубин Мета и Израильский филармонический оркестр. Я никогда и нигде не отказывался играть по политическим причинам. Я понимаю, как важно бывает в сложные времена обрести спокойствие и гармонию. И единственное, что мы, музыканты, можем сделать – это играть музыку, а она уже примирит людей и залечит их раны».

Тель-Авив. 24 мая 2017, среда, 20:00
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
В программе:
Моцарт: Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Р. Штраус. Бурлеск для фортепиано
Р. Штраус. «Домашняя симфония» (Symphonia Domestica)

Хайфа. 25 мая 2017. 20:00
Серия: HAIFA B
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
В программе:
Моцарт: Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Р. Штраус. Бурлеск для фортепиано
Р. Штраус. «Домашняя симфония» (Symphonia Domestica)

Тель-Авив. 26 мая 2017. 11:00
Серия: INTERMEZZO
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
Ведущий: Рони Порат
В программе:
Моцарт. Концерт для фортепиано №.17 соль мажор, К. 453
Бетховен. Симфония №. 8

Тель-Авив. 27 мая 2017. 20:00
Серия: ФИЛОКЛАССИКА
Дирижер: Зубин Мета
Солисты: Денис Мацуев, ф-но
Давид Радзинский – скрипка
Эмануэль Сильвестри — виолончель
Дуду Кармель — гобой
Даниэль Мазаки – фагот
В программе:
Гайдн. Симфония №. 88
Моцарт. Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Гайдн. Концертная симфония для скрипки, виолончели, гобоя и фагота

Тель-Авив. 28 мая 2017. 19:00
Серия: 7 AT 7:00
Дирижер: Зубин Мета
Солист: Денис Мацуев, ф-но
В программе:
Моцарт: Концерт для фортепиано №. 17 соль мажор, К. 453
Р. Штраус. Бурлеск для фортепиано
Р. Штраус. «Домашняя симфония» (Symphonia Domestica)

http://www.ipo.co.il

https://www.facebook.com/israel.philharmonic

https://www.youtube.com/user/IPOvideos

http://matsuev.ru/

Линк на видео – Денис Мацеув играет 17-й концерт Моцарта:
https://www.youtube.com/watch?v=UGe6Ks53Qiw

Заказ билетов на сайте продюсерской компании Rest International —  restinter.com

Фотографии (© Евгений Евтюхов) предоставлены компанией Rest International

">

Интервью с известнейшей пианисткой и педагогом Диной Йоффе в преддверии 15-го Международного фортепьянного конкурса имени Артура Рубинштейна, который пройдет в Тель-Авиве с 25 апреля по 11 мая.

- Дина! Добрый день! Вы впервые приглашены стать членом жюри Международного фортепьянного конкурса имени Артура Рубинштейна. А давно ли вы знакомы с этим конкурсом не понаслышке, а напрямую - как исполнительница, как пианистка и как педагог?

- Я боюсь показаться не точной. Конкурс возник 43 года назад и впервые состоялся в Тель-Авиве в 1974 году. Мы же семьей репатриировались в Израиль в 1989-м году и я начала работать в Музыкальной Академии имени Рубина в Тель-Авиве, где преподавала в течение шести лет. Так что, естественно, что именно с тех пор я и знакома очно с конкурсом Рубинштейна – в прямом смысле слова. Тогда, в конце восьмидесятых, еще не было YouTube, и мы практически постоянно ходили на прослушивания, все время наблюдали за выступлениями конкурсантов – в 1989-м году, в 92-м, в 95-м, когда победил Александр Корсантия. Я хорошо помню такой эпизод в 1992-м году (это был 7-й по счету конкурс): в конкурсе участвовал московский пианист Максим Филиппов, он прошел в финал и просто зашел в академию, чтобы мы с ним поиграли концерт на два рояля. Естественно, я ходила на все концерты конкурса, но в жюри приглашена впервые, чему очень рада. Мне это интересно и профессионально, и потому, что я считаю себя частью Израиля.

- Как и любое сценическое действие, конкурс – это театр. В любом театре есть закулисье, изнанка сцены. Что вы можете сказать о закулисной стороне музыкальных соревнований в целом? Ведь вы бывали в жюри очень большого количества конкурсов...

- Эта «изнанка» действительно существует, но скорее всего она связана с каждым отдельным членом жюри. Бывает все – несправедливость с чьей-то точки зрения, несовпадение взглядов... Члены жюри – люди и люди с разной культурой, разными школами, разным мировоззрением. Крайне трудно, чтобы их взгляды совпадали. Есть и моя личная «изнанка», мои ощущения, моя оценка, отличная от принятого стандарта. Сегодня на конкурсах ищут перфекционизм, ищут исполнителей, которые готовы приспособиться к тому, что диктует рынок: они должны быть очень стабильны, с прекрасной техникой... Естественно, что я тоже ценю эти качества, но для меня в первую очередь важнее, чтоб эти исполнители были личностями, яркими индивидуальностями, чтобы на самом конкурсе их было интересно слушать. И даже, если в какой-то момент от волнения некий процент их перфекционизма уходит, это не влияет на мою оценку их исполнения.

Я говорю только о себе, только о своем отношении... В конкурсе Рубинштейна в этом году принимают участие 32 пианиста, а на крупных конкурсах – таких как Варшавский конкурс пианистов имени Шопена или фортепьянный конкурс Листа в Кливленде, откуда я недавно вернулась, играют по сто человек. На предварительные прослушивания на конкурс Шопена было подано 350 заявлений, играли 160 пианистов! В таких условиях запоминается именно яркая индивидуальность: мы - члены жюри - слушаем музыку, у нас есть определенные критерии, мы ведем записи, но самое важное то, если исполнение помнится и после того, как мы ушли из зала, если осталось впечатление о человеке – вот что для меня очень важно! Сегодня иногда пропадает поиск индивидуальности, перспективы. Я многое готова простить музыканту, если вижу, что у него есть творческий потенциал. Иногда мне приходится  бороться и отстаивать свое мнение очень серьезно, в некоторых случаях это удается. Те, кого я отстаивала, получили высокие оценки, и потом жизнь показала, что эти музыканты действительно достойны такого.

- Как физически возможно все это выдержать? Я даже не спрашиваю, как физически выдерживают конкурс сами исполнители, на которых иногда боязно смотреть. Они, по-моему, теряют за дни конкурса десять килограммов веса минимум... Но, как и члены жюри физически могут выдержать это бесконечное количество прослушиваний, этот довольно монотонный поначалу марафон? Как сделать так, чтобы ваше внимание не ослабевало, ведь на первых двух этапах конкурсанты играют одни и те же произведения?

- Труднее всего на конкурсе Шопена – ведь там исполняются произведения только одного композитора - пусть и гениального Фредерика Шопена. Принимать участие в варшавском  жюри было непросто. Программа же конкурса Рубинштейна, репертуар исполняемых произведений подобран очень хорошо, серьезное внимание уделяется камерной музыке, а ведь в сегодняшнем мире сольный камерный концерт – это раритет. Сольные концерты дают обычно уже маститые, узнаваемые музыканты, но не молодые ребята, которые только вышли на свою дорогу. В основном они начинают свою творческую жизнь на фестивалях камерной музыки, но многие хорошие пианисты не готовы к тому, что на фестивалях две-три репетиции надо играть с незнакомыми исполнителями, знать определенный репертуар.

И поэтому очень важно, что конкурс Рубинштейна предлагает в программе камерные сочинения (произведения Моцарта, Бетховена, Брамса, Форе, Шумана, Дворжака в I туре, концерты Моцарта и Бетховена во II туре, и еще более разнообразную программу на заключительном этапе конкурса – концерты Бетховена, Шопена, Шумана, Листа, Брамса, Чайковского, Грига, Рахманинова, Равеля, Бартока и Прокофьева – М.Х). Такой подбор репертуара - очень важный шаг, как и то, что в программу включены концерты Моцарта. Очень важно, как конкурсанты исполняют классику вообще, но то, как они играют Моцарта – это своеобразная лакмусовая бумажка. Многое после этого становится понятным. Моцарт – он как рентген – все ясно, все слышно, все видно.

- Программа выступления в обоих турах должна включать в себя классическое и романтическое произведения, а также одно из двух произведений, написанных специально для конкурса израильскими композиторами Бетти Оливеро и Авнером Дорманом. Напомню, что у конкурса Рубинштейна есть прекрасная традиция – исполнение произведений израильских композиторов, которые ассоциация Артура Рубинштейна заказывает у них специально к конкурсу. В этом году это будут произведение «О воде, ветре и колоколах» Бетти Оливеро и 5-я фортепьянная соната Авнера Дормана. Вы их уже слышали?

- Я слышала сочинения, но еще не успела проиграть их сама для себя. Сегодня существует немало конкурсов, где правила предписывают исполнять сочинения, специально заказанные и написанные для этих конкурсов. Я всегда прошу у организаторов ноты таких «заказных» сочинений и пытаюсь выучить сама и  дать своим ученикам, если мне, конечно, нравится эта музыка. И считаю, что это прекрасная идея: во-первых, это дает возможность композиторам той или иной страны быть узнанными. А во-вторых, такие «обязательные» сочинения – это, большей частью, безумно интересно. Я слежу во время исполнения по нотным записям и слышу, как молодые люди по-разному интерпретируют новую для них музыку, ранее им совсем незнакомую. Поэтому особенно интересно именно то, как и что каждый из конкурсантов может услышать, прочитать и проанализировать в таких сочинениях. Для меня такой анализ, личная интерпретация также определяет уровень музыканта. Умение индивидуальной  трактовки, особенной «подачи» выгодно отличает таких музыкантов от тех, кого я называю «ютьюбисты» - то есть тех, кто услышал какие-то хорошие записи в YouTube и просто повторяет их. А такие новые сочинения невозможно повторить – их надо понять, проиграть,  прожить и подать исключительно по-своему...

- Насколько я знаю, вы знакомы практически со всеми членами жюри конкурса Рубинштейна. Как часто вы пересекаетесь? Как часто вам удается общаться? Да и каково себя чувствовать вершителями судеб молодых пианистов? Не страшно?

- Вопрос очень непростой - ответственность на членах жюри лежит огромная. Но я даже не позволяю себе думать, что это «страшно». Если страшно – то лучше не приближаться к судейству конкурсов вообще. Жюри бывают разные, но уровень конкурса предполагает и уровень жюри. Как я уже говорила, у нас зачастую не совпадают мнения, но все-таки есть нечто общее, годы общения, знакомств, совместных выступлений. Я хорошо знаю Элисо Вирсаладзе – еще со времен моей учебы у профессора Веры Горностаевой. С легендарным Менахемом Пресслером мы вместе выступали на европейских фестивалях. Да и вообще вся «старая гвардия» знакома друг с другом много лет, не раз мы работали вместе. И с художественным руководителем конкурса Идит Цви мы знакомы очень и очень давно. Когда мы только репатриировались, она пригласила меня и моего мужа скрипача Михаила Ваймана участвовать в фестивале «Коль ха-Музика» в Кфар–Блюме на севере страны - это фактически было первое наше серьезное выступление в Израиле. И вот я снова в Израиле – уже совсем в другом качестве, и счастлива, что это произошло.

Интервью взяла Маша Хинич. Фото предоставлено пресс-службой конкурса Артура Рубинштейна

********

Дина Йоффе родилась в Риге. Закончила Московскую консерваторию под руководством знаменитой Веры Горностаевой. Она - призер конкурсов Шумана в Германии и Шопена в Варшаве.

Как исполнительница широко известна во многих странах – во Франции, Германии, Англии, Японии, США, Израиле и др. Выступала с такими крупными оркестрами, как Израильский филармонический, оркестр, оркестр Японского радио NHK, Московский филармонический оркестр, Tokyo Metropoliten Orchestra под управлением Джеймса Де Приста, Валерия Гергиева, Дмитрия Китаенко, Зубина Меты и других прославленных дирижеров. Активно участвует в камерных музыкальных фестивалях Франции, Италии и Финляндии.

С 1989 по 1996 гг. Дина Йоффе - профессор Академии музыки имени Рубина в Тель-Авиве. В 1995-2000 гг. приглашенный профессор Aichi University of Arts в Японии , профессор Национального университета искусства и музыки в Нагое (Япония). Преподавала на Yamaha Master Classes в Париже и Токио. Дает мастер-классы в Германии, в Королевской Академии музыки в Лондоне. С 2000 г. является приглашенным профессором Summit Musik Festival в Нью-Йорке. Дина Йоффе - почетный член японской ассоциации педагогов фортепьяно. Художественный руководитель фестиваля и мастер-классов «Музыкальное лето» в Малаге в Испании. Профессор Академии музыкальных талантов в Брешие (Италия). С 2015 года Дина Йофее заслуженный профессор в Concervatorio Liceo в Барселоне.

Профессора Йоффе часто приглашают в жюри престижных конкурсов в Кливленде в США, Хамамацу в Японии, конкурс Шопена Варшаве, в Германии (конкурс Листа в Веймаре), в Испании (Maria Canals в Барселон) и другие.

Dina Yoffe plays Chopin Scherzo n.2
https://www.youtube.com/watch?v=vZIQbccZpMc

Официальный сайт  Дины Йоффе - http://www.dinayoffe.com/

15-й Международный Фортепьянный конкурс имени Артура Рубинштейна — с 25 апреля по 11 мая 2017 года

Предварительная продажа билетов на сайте http://www.eventim.co.il/arthur
или по телефону 03-5111777
Конкурс откроется концертом Антония Барищевского — победителя предыдущего конкурса 2014 года. Посмотреть видеозапись его выступления, а также другие записи можно в видео-архиве конкурса по ссылке: https://www.youtube.com/user/AthurRubinstein
Подробности на сайте конкурса — http://www.arims.org.il/, а также здесь — http://www.israelculture.info/konkurs—rubinshtejn/
Страница в фейсбуке — https://www.facebook.com/ArthurRubinsteinPianoCompetition/?fref=ts

Современная израильская живопись… Стоит задать вопрос, что это такое, как искусствоведческие  прения переходят от натянутого политеса к дуэли на кисточках и шпателях – почти так же быстро, как израильское изобразительное искусство двигалось от живописи фигуративной к абстрактной и концептуальной, от комического к трагическому, от живописи политической и социальной – к натюрмортам и пейзажам, от религиозной символики к визуальной терминологии, от аллюзий ренессанса к самодовольным, а иногда и к критично-ироничным портретам, а затем обратно от модернизма к классике, спиралями и кругами, собирая свой урожай шедевров, работ запоминающихся и проходящих, урожай премий и призов, внимания и отстраненного игнорирования. Но если публика и проигнорирует порой от недостатка времени и любопытства то или иное живописное явление, то фонд Раппапортов обязательно обратит свое внимание, а потом и наше, вот уже десятилетие вручая ежегодно две премии в области изобразительного искусства двум художникам, устраивающего лауреатам персональные выставки в Тель-Авивском музее, а сейчас – выставку десятилетия «Асиф», которая продлится до 2 сентября 2017 года.

Работа Ивы Кафри

Особо приглашенные «Асиф» посмотрели на открытии, пасхально-каникулярные посетители также уже освоили, так что теперь можно спокойно увидеть плоды урожая. «Асиф» на иврите означает урожай или «сбор урожая», плоды которого – это как раз работы тех 20 художников (молодых и не очень), которые попали в собрание Тель-Авивского музея искусств благодаря деятельности упомянутого Фонда Раппапортов, каждый год выбирающего двух израильских художников (как сказано в уставе фонда – начинающего и заслуженного), вручающего денежную премию, организующего экспозицию. Фонд выпускает каталог, всячески поддерживает, поощряет молодых, подбадривает заслуженных и, главное, обращает внимание всех любопытных и причастных на современную израильскую живопись.

Фонд  Рут и Брюса Раппапорт передал в дар Тель-Авивскому музею такое количество живописных и скульптурных работ, что именем Раппапортов названы два зала, один было бы просто неприлично. Им же музей обязан лобби и мастерской при здании им. Шмуэля и Герты Амир. С 1996 года музей вручает почетные стипендии имени Раппапортов, а в 2006 году был учрежден фонд Раппапортов, который выдает ежегодно два приза двум израильским художникам или скульпторам, живущим в стране – художнику маститому и начинающему. Тесная связь между семьей Раппапорт и Тель-Авивским музеем искусств завязалась много лет назад. Рут и ныне покойный Барух Раппапорт не побоялись взять на себя ответственность за израильское общество, посвящая себя продвижению таких важных для всего человечества сфер как культура, наука, искусство, здравоохранение и образование. В супругах Раппапорт щедрость и любовь к искусству прекрасно сочетались с отличными деловыми качествами и коммерческим успехом. В сотрудничестве с Исследовательским институтом им. Раппапортов фондом была также учреждена премия за достижения в области науки; при поддержке редакции журнала «Ла-иша» – премия для женщин за вклад в развитие в израильское общество и формирование новых идей.
Два куратора выставки «Асиф» (Анат Данон-Сиван и Ноа Розенберг) попросили 20 лауреатов премии Раппапортов самих выбрать свои  работы – лет прежних и нынешних, создав ретроспективу работ художников – от ранних, канонических работ до новых, выставляемых впервые. Некоторые из этих работ уже находятся в коллекции музея. Часть были выставлены на персональных выставках после вручения премии, другие же извлечены из ателье художников или сделаны специально к этой выставке. Все вместе представляют собой цветную, пеструю и забавную (несмотря на политизированность) картинку из картин (а также фотографий). Яркая мозаика в крапинку наших реалий. Супер-эклектично, не мрачно – что уже удивительно после прежней черно-белой гаммы, перекинувшейся из материй индустрии моды на холсты, репрезентативно и интересно. Особо интересно сравнить, что случилось с художником, точнее с его стилем за время, прошедшее от года присуждения премии до сегодняшнего дня.

Работа Нурит Давид

Моя фаворитка — Нурит Давид. От насыщенных символами сказочных, фигуративных работ со скрытыми портретами себя и близких она перешла к дигитальной живописи, творимой на компьютере под влиянием японского анимэ, «Повести о Гэндзи» 11 века Мурасаки Сикибу и теорий итальянского архитектора и дизайнера Карлос Скарпа. Скарпа удавалось мастерски сочетать в своих постройках старые традиции и новые веяния. Он умело обращался со светом, материалами и фактурами – то же делает и Нурит Давид. Свои новые работы Нурит Давид «рисует» на компьютере и печатает на особом принтере на длинных полотнищах тонкой клеенки, называя их «новой одеждой для старых работ». Этими узкими полотнищами она обрамляет прежние картины или представляет их в виде новой «одежды», развешивая ее на плоских из плотного картона вырезанных манекенах-мольбертах. Пожалуй то, что представляет Нурит Давид – это самый резкий пример изменения творческого стиля на выставке «Асиф»: re-presentation от работ 1991 и 1995 года — к работам года 2017-го.

Нурит Давид рисует картины-приключения: ее живопись, тексты, статьи, ученики существуют благодаря ее таланту и воображению. Она изобразила множество жизней сотворенных ею персонажей в придуманных пейзажах, местах, странах, среди рек, текущих сквозь разные периоды ее творчества, между фарфоровыми фигурками, спрятанными в лесах, женщинами в красных платьях, разбегающимися по бумаге, пропыленными солдатами, между текстами и холмами. А сейчас все спрятала в своем нурит-давидовском акабы анимэ, на деле – в своем новом мире.

Картины Нурит Давид населены таким количеством персонажей и столь насыщены деталями, что все это пересчитать и пересказать невозможно – надо видеть. Портреты же Нурит Давид сделаны в совсем иной манере, хотя также призрачны и фантастичны. Отталкиваясь от пары старых детских фотографий, она воссоздает призраки дома своего детства, населяя его женщинами-монстрами с лицами бабушки, матери и своим. Женщинами-девочками, у которых вместо тела – пружины, вместо ног – деревянные протезы марионеток, вместо торса – белые мясистые лилии. Сквозь них просвечивают лестницы, они летают по коридорам, в которых растет чертополох. Более ранние работы Нурит Давид, сделанные с использованием структуры рыхлой бумаги, аппликаций и даже спичек, приклеенных к картону и создающих тени-узоры, цветными линиями вытекающими из клубка сновидений.

" data-image-meta=""1"}" data-image-title="Nurit David" data-large-file="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?fit=585%2C754" data-mce-src="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?resize=585%2C754" data-mce-style=" hidden;" data-medium-file="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?fit=233%2C300" data-orig-file="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?fit=585%2C754" data-orig-size="585,754" data-permalink="http://www.israelculture.info/asif-tel-avivskogo-muzeya/nurit-david/" height="754" sizes=" 585px) 100vw, 585px" src="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?resize=585%2C754" srcset="https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?w=585 585w, https://i0.wp.com/www.israelculture.info/wp-content/uploads/2017/04/Nurit-David.jpg?resize=233%2C300 233w" width="584" />

Работа Нурит Давид

Нурит Давид родилась в Тель-Авиве в 1952 году. Ее официальная биография на удивление скромна: закончила в 1978 году педагогический семинар в Рамат ха-Шароне, с 1986 года преподавала в колледже искусств «Бейт Берл». Список выставок – и персональных и коллективных – внушителен. Десятки и десятки экспозиций, начиная с 1978 года. Приз Раппопортов она получила самая первая – в 2006 году.

Работы Нурит — модернистские и фигуративные, классические маслом и коллажи с фотографиями, графика и абстракция, затихшие пейзажи и выдуманные биографии. Патетически и поэтически, фантастично и реально, но не выспренно, а выстрадано. Ее выставки – это выставки иллюзий, рассказов о спрятанных на холсте сокровищах. Сумеете их найти – раскроете секрет ее живописи. Нет таких людей и нет таких стран – но они увидены и зарисованы, и зрителям остается только следовать за воображением Нурит Давид. «В моей жизни есть две страсти – писала Нурит в каталоге первой  выставки Приза Раппапортов  2006 года, — китайская поэзия и работа на земле, как две высоких горы, между которыми я пробираюсь. Я не могу представить себе свою жизнь без того клочка земли, который возделываю и без своих учеников, в которых вкладываю не меньше, чем в землю. Когда я читаю стихи древних китайских поэтов, я представляю как они, в своих скромных одеяниях и простых сандалиях, шли по холмам с пучками свежесрезанной травы в руках, декламируя вирши. Я рисую рассказы и рассказываю картинами».

Работа Дганит Берест

Из не очень молодых участников «Асифа»  нельзя не упомянуть также Дганит Берест, ее работы–игры с буквами-словами, стихами и видениями, которые она препарирует, по буквам растаскивает и снова соединяет, визуалируя стихи и их потайные смыслы. Дганит Берест – художница и фотограф, учившаяся в Иерусалимской академии «Бецалель» и в Нью-Йоркском институте Пратта. С 1998 года по 2001-й она возглавляла факультет фотографии колледжа Бейт-Берл, где также преподавала с 1974-го по 2014-й год. Дганит Берест за эти годы успела оказать влияние на несколько поколений студентов, показывала также  свои работы в музеях и галереях по всему миру – Нью-Йорк, Милан, Торонто, Дюсельдорф, Стокгольм, Варшава и т.д. Ее работы находятся в коллекциях практически всех крупных израильских музеев; также она удостоена практически всех израильских премий. Приз Раппапорта Дганит Берест получила в 2012 году.

Работа Яна Раухвергера

Кого еще нельзя не упомянуть? Вот кого: Яна Раухвергера, Яира Гарбуза (он был лауреатом премии Раппапортов 2015 года и его персональная выставка проходит в Тель-Аивском музее до 6 мая, удивительным образом перекликаясь не только с «Асифом», но и с выставкой «Что касается Африки»); Давида Риба; Таль Мацлиах (завораживающие-картины-орнаменты-узоры-сплетенные-из-точек-и-нитей-и-красок-и-сказок); Шарон Полякин; Альму Ицхаки с ее картинами-рассказами, Иву Кафри с ее огромными прозрачными абстрактными полотнами, на выставке которых в прошлом году хотелось среди них заблудиться; ироничного Михаэля Халака; Шая Йехезкели – также лауреата приза Раппапортов 2015 года, чья выставка продлится в одном из залов Тель-Авивского музея до 22 апреля этого года. В общем – всех, кто оказался в авангарде современного израильского искусства – на вкус фонда Раппапортов, естественно, и на вкус жюри премии. Новый смысл, новые переживания, новый экспириенс от сбора урожая, опыт и переосмысление. Вывод – не останавливаться. Пожалуй так, в двух словах можно описать эту выставку… Не останавливаться, обгонять время, бежать и успевать по дороге наслаждаться искусством, в том числе и на выставке «Асиф» к 10-летию со дня учреждения премии имени Баруха и Рут Раппапортов в области искусства.

Размер премии Раппапортов ведущему художнику – 70.000 долларов (половина вручается самому художнику. Половина идет на организацию выставки и выпуск каталога). Размер премии молодому художнику – 30.000 долларов (половина — 15.000 — вручается самому художнику. Половина идет на организацию выставки и выпуск каталога). Все лауреаты премии передают по одной работе в дар коллекции израильского искусства семьи Раппапорт. Коллекция будет полностью передана в дар Тель-Авивскому музею искусств.

Работа Альмы Ицхаки

Работа Михаэля Халака

Работа Таль Мацлиах

Работа Шая Йехезкеля

Директор Тель-Авивского музея искусств Сюзан Ландау так говорит о выставке: «Премия Раппапортов, одна из важнейших на сегодняшний день премий в области израильского искусства, предоставляет нашему музею прекрасную возможность познакомить широкую публику с отечественными художниками-представителями разных поколений. На выставке, приуроченной к десятилетию со дня основания фонда, представлены работы 20 художников в рамках 20 выставок и на страницах 20 каталогов. Музей приобрел в свою коллекцию 20 новых произведений искусства. Это настоящий праздник современного израильского искусства, который стал возможен благодаря поддержке Фонда им. Баруха и Рут Раппапортов».

Лауреаты премии им. Раппапортов за достижения в области искусства за 10 лет работы фонда:

2006 г. Нурит Давид – ведущая художница года, Эли Петель – молодой художник года.

2007 г. Ян Раухвергер – ведущий художник года, Нетали Шлоссер – молодая художница года.

2008 г. Авнер Бен-Галь – ведущий художник года, Йосеф Криспель – молодой художник года.

2009 г. Таль Мацлиах – ведущая художница года, Мелани Даниэль – молодая художница года.

2010 г. Шарон Полякин – ведущая художница года, Орен Элиав – молодой художник года.

2011 г. Асаф Бен-Цви – ведущий художник года, Михаэль Халак – молодой художник года.

2012 г. Дганит Берест – ведущая художница года, Эльад Коплер – молодой художник года.

2013 г. Давид Риб – ведущий художник года, Ива Кафри – молодая художница года.

2014 г. Идо Бар-Эль – ведущий художник года, Альма Ицхаки – молодая художница года.

2015 г. Яир Гарбуз – ведущий художник года, Шай Йехезкели – молодой художник года.

2016 г. Ицхак Гольдштейн — ведущий художник года, Ифат Бецалель — Йехезкели – молодая художница года.

Лауреаты премии Раппапортов 2017 года – Ицхак Голомбек и Гиль Ефман, чьи имена были объявлены в начале  марта 2017 года.

Ицхак (Ичe) Голомбек, родившийся в 1957 году в Польше, репатриировался в Израиль в 1965 году и изучал живопись и скульптуру в университете Хайфы. С 1982 года представляет персональные выставки и участвует в сотнях групповых выставках в Израиле и за рубежом. Его деревянные скульптуры – уникальны, его стиль, развивающийся с 1980-х годов — абсолютно самобытен. И на деле, более всего удивительно, почему он не получил премию Раппапортов еще десять лет назад.

Гиль Ефман родился в 1979 году в Израиле, закончил Академию искусств и дизайна «Бецалель» в 2003 году. Принимал участие во многих выставках в в различных галереях в Израиле, Нью-Йорке, Тайбее и Токио. В его работах сочетаются гротеск, юмор и провокация.

Сайт художницы Нурит Давид:
http://www.nuritdavid.com/
Сайт недавней выставки Нурит Давид в галерее «Гивон»
http://www.givonartgallery.com/past-exhibitions/nurit-david-2
Сайт Фонда Раппапортов  — http://rappaport-prize.com/en
Страница в фейсбуке: https://www.facebook.com/Rappaport.Prize
Страница выставки в youtube — короткие интервью с участниками: https://www.youtube.com/watch?v=-jxSrXHCxdE
Лауреты Приза Раппапорта 2017 года рассказывают о своих работах — https://www.youtube.com/watch?v=BJB-aEFkUvo
Сайт Тель-Авивского музея: http://www.tamuseum.org.il

Маша Хинич. Заглавное фото — новая работа Нурит Давид. Все иллюстрации  предоставлены пресс-службой Тель-Авивского музея искусств.

">не надоедает, а Нурит Давид щедра на экспозиции: я помню выставку ее пейзажей в Герцлийском музее в 2001 году, портретов в выставочном зале винодельни Шато Голан в кибуце Элиад в 2005 году, «Апокалипсис на Галилейском море, Фландрия» в «Бейт Гавриэль» на Кинерете, «Вечное лето» в галерее Гивон в Тель-Авиве в 2006 году, недавнюю – мартовскую выставку в той же  галерее «Гивон».  Каждый раз – новые впечатления. Новая возможность поразиться чужой фантазии, подивиться другим мирам.

«Послания». Четвертый концерт серии «Открытия» Ансамбля 21 века

В концерте (6 мая в Тель-Авивском музее искусств и 7 мая в Центре музыки в Иерусалиме) прозвучит произведение 91-летнего венгерского еврейского композитора, живого классика Дьёрдя Куртага – «Послания покойной Р.В. Трусовой» для сопрано и камерного ансамбля (Messages of the Late R. V. Troussova for soprano and chamber ensemble) при участии сопрано Юлии Хеннинг, а также ансамбля, где помимо духовых и струнных звучат фортепиано, арфа, челеста, ударные, мандолина и даже цимбалы. В этом же концерте прозвучат премьерных сочинения израильского композитора Ари Бен-Шабтая и итальянского композитора Федерико Гарделла, написанного специального для израильского тромбониста Бенни Случина, который также примет участие в концерте. Дирижер концерта – Жолт Надь, главный дирижер Ансамбля 21 века.

Центральное произведение программы — «Послания покойной Р.В. Трусовой» для сопрано и камерного ансамбля одного из выдающихся композиторов нашего времени венгра Дьёрдя Куртага, которое будет исполнено сопрано Юлией Хеннинг и необычным камерным составом – мандолина, арфа, цимбалы, струнные и духовые инструменты Ансамбля 21 века. Именно это произведение сделало Куртага мировой знаменитостью и вызвало всплеск интереса к его музыке. И именно это произведение, исполненное впервые в 1981 году в Париже ансамблем «InterContemporain» под руководством самого Пьера Булеза, считается одним из его шедевров Дьёрдя Куртага. Куртаг известен своими музыкальными миниатюрами: «Послания» включают21 миниатюру, исполняемые на русском языке.

Концерт также включает в себя две мировые премьеры: «Энигма» одного из старейших израильских композиторов Ари Бен-Шабтая и «Лабиринт голосов» итальянского композитора Федерико Гарделла, написанная для ансамбля и тромбона, специально для тромбониста Бенни Случина, принимающего участие в этом концерте.
Тромбонист Бенни Случин – один из основателей уже упомянутого ансамбля «Ensemble Intercontemporain». Композиторы всего мира создавали и продолжают создавать произведения специально для этого выдающего музыканта.

Сопрано Юлия Хеннинг

Сопрано Юлия Хеннинг из Германии – известная вокалистка, часто исполняющая современную музыку, оперный репертуар и Lieder всех стилей. Она работала с Лючианом Берио, Дьёрдем Kуртагом и многими другими современными композиторами,выступала с ведущими оркестрами и ансамблями и стала известной во многим именно благодаря сочинениям Куртага и совместной работой с «Ensemble InterContemporain».

Дьёрдь Куртаг — один из крупнейших и наиболее самобытных композиторов последних десятилетии, отметивший в прошлом году свой 90-летний юбилей. Его искусство во многом сформировано духом Центральной и Восточной Европы, впитав также связи со многими музыкальными, языковыми и национальными культурами – в том числе и с русской. Особенное значение в его музыке имеют слово и человеческий голос. Композитор владеет множеством языков; ему принадлежат произведения на слова Сапфо, Гёльдерлина, Блока, Ахматовой, Мандельштама, Цветаевой, Риммы Далош, Аттилы Йожефа, Яноша Пилинского, Кафки, Беккета, проповедей Петера Борнемисы. Столь же широк круг музыкальных миров, которые скрещиваются в его творчестве: важное место у Куртага занимают аллюзии, цитаты, парафразы, посвящения, приношения, послания и эпитафии, чьими адресатами являются композиторы прошлого и современники. В его музыке преобладают малые формы, создаваемые с особой тщательностью. Музыкальный микрокосмос Куртага (вдохновлённый примером Бартока) воплотился в многолетнем творческом проекте под названием «Игры» – циклах миниатюр для фортепиано.

Куртаг родился в 1926 году в Лугоже (румынский Банат) в еврейской семье, чьим родным языком был венгерский. Начинал учиться музыке в Темешваре, где написал первые сочинения. В 1946 году в Будапеште поступает в Музыкальную академию имени Листа и оканчивает её по классу композиции, фортепиано и камерного ансамбля. В 1948 году получает венгерское гражданство.

В 1957 году после подавления антикоммунистического восстания в Венгрии Куртаг уезжает на год в Париж, где занимается у Дариуса Мийо и Оливье Мессиана. Посещает также Кёльн, где знакомится с электронными сочинениями Штокхаузена. В Париже Куртаг встречается с психотерапевтом Марианне Штейн, которая помогает ему преодолеть тяжёлую депрессию, впервые знакомится с современной западноевропейской музыкой. Созданный вскоре Струнный квартет (1959) Куртаг помечает как «опус 1» – притом, что ему было уже 33 и в его багаже имелось немало сочинений. Первый опус он посвящает Марианне Штейн. (Спустя почти тридцать лет он ей же посвятит «Фрагменты из Кафки».)

Несмотря на ужесточение политического режима в Венгрии, композитор возвращается домой. В 1958-1968 гг. работает концертмейстером в Школе искусств имени Бартока в Будапеште, а затем – в Венгерской национальной филармонии. В 1967-1993 годах преподаёт камерный ансамбль в Будапештской музыкальной академии.

В 1993 году Куртаг уезжает в Берлин, где сотрудничает с Филармоническим оркестром и Клаудио Аббадо как «композитор в резиденции». В 1995 году переезжает на год в Вену, где ведёт мастер-классы в Концертхаусе. Получив в 1996 году приглашение в Нидерланды, в течение двух лет является почётным профессором Гаагской Королевской консерватории, сотрудничает с Нидерландской оперой, оркестром Консертгебау и Шёнберг-ансамблем. В 1999 году принимает приглашение ансамбля InterContemporain и Парижской консерватории, где преподаёт на протяжении двух лет. В настоящее время живёт в Будапеште.

Дирижер Жолт Надь

Жолт Надь — венгерский дирижер и педагог

Окончил Будапештскую академию музыки. По завершении курса на протяжении ряда лет участвовал в мастер-классах Петера Этвёша, затем в 1990-1995 годах работал помощником Этвеша в Институте новой музыки Высшей школы музыки Карлсруэ. В дальнейшем также участвовал в различных международных мастер-классах и других проектах Этвеша.

В 1999 году Надь начинает сотрудничать в Израиле с «Ансамблем 21 века», специализирующемся на исполнении современной академической музыки. В своей работе с другими музыкальными коллективами по всему миру Надь также предпочитает современный репертуар. С 2002 года он стал профессором Парижской консерватории по классу дирижирования.

«Ансамбль 21 века» был основан в 1991 году Даном Юхасом и Замирой Луцки с целью исполнения лучших камерных произведений ХХ столетия, большинство из которых до этого не звучало в Израиле. Его музыканты в большинстве своем играют в Иерусалимском симфоническом оркестре, многие из них известны в Израиле и за рубежом. Наряду с классикой 20 века в концертах «Ансамбля 21 века» звучат произведения израильских композиторов, которые он регулярно заказывает. Ансамбль, насчитывающий сегодня 14 музыкантов, лучших израильских исполнителей, регулярно выступает и делает записи на Израильском радио, участвует во многих европейских фестивалях. Он также занимается популяризацией современной музыки в общеобразовательных школах Израиля. Ансамбль, считающийся ведущим в Израиле ансамблем современной музыки, поддерживают многие фонды и Министерство культуры Израиля, он сотрудничает с Израильским музыкальным центром. С ансамблем выступают лучшие зарубежные солисты и дирижеры. А сам ансамбль часто приглашают выступить на различных международных фестивалях.
В 2005 году ансамбль открыл в Яффо свой центр современной музыки и искусства – зал «ха-Тейва» («Шкатулка») в «Хацрот Яффо» на бульваре Иерушалаим, 19 (http://www.hateiva.com/). «Ха-Тейва» — место для исполнения современной академической музыки различных стилей и представлений в других жанров – кино, танца, видео, компьютерных технологий и др. «Ха-Тейва» сотрудничает со многими европейскими центрами — такими, как парижский Центр Помпиду, центр электронной экспериментальной музыки во Фрайбурге и другими. В центре «Ха-Тейва» инициировали немало творческих встреч между художниками разных направлений и он стал заметным и важным фокусом художественной жизни Израиля. В последние годы «Ха-Тейва», помимо зала для выступлений, также стал центром электронной и дигитальной музыки».

Ансамбль 21 века. «Послания»

Тель-Авивский музей, суббота, 6 мая, 21:00. Стоимость билетов – 110 шекелей. Телефон для заказов – 03-6077070. Иерусалим, Центр музыки Мишкенот Шеананим, воскресенье, 8 мая, 20:00. Стоимость билетов – 40-60 шекелей. Телефон для заказов: 02-6241041.

Дирижер – Жолт Надь.

Юлия Хенниг – сопрано.
Бенни Случин – тромбон.

В программе:

Ари Бен-Шабтай. Энигма.
Федерико Гарделла. Лабиринт голосов.
Дьёрдь Куртаг. Послания покойной Р. В. Трусовой.

Сайт Ансамбля 21 века — www.ensemble21.org.il

Знаменитый гуру сценической и экранной психологии Ингмар Бергман посвятил свою долгую профессиональную жизнь практически одной сверхзадаче - анализ взаимоотношений мужчины и женщины, влияние морали и принятых в обществе правил на самую суть чувств, возникающих и исчезающих у пары. Неизбежно ли умирание любви? Возрождается ли она в других обличьях в долгой семейной жизни?

Почему все-таки объединились два ведущих театра Израиля - Камерный и Гешер для постановки широко известной и не раз поставленной в кино,  театре и на телевидении пьесы Ингмара Бергмана “Сцены из семейной жизни”?

Думаю, не потому, что не нашлось партнеров для исполнителей двух главных и единственных ролей. Наверняка, в творческой концепции этих крупных театральных коллективов есть существенные различия, но в итоге было необходимо создать что-то принципиально новое, цельное и качественное.  Не так ли и в семейной жизни, когда в одной упряжке сосуществуют, со-упряжно везут по жизни свою колесницу разные личности, характеры и темпераменты - и все это называется институтом брака.

А может втайне Камери до сих пор считает своей актрису Эфрат Бен-Цур, ведь до начала своей карьеры в Гешере в 1996, Эфрат служила в Камерном - сыграла в пьесах Визит Старой Дамы, Скупой, Кипр.

Задача стояла не из легких. Пьеса Ингмара Бергмана, ставшая почти канонической, пережила множество постановок в разных форматах. В 1972г Бергман пишет и ставит  на шведском телевидении шестисерийный телефильм - каждая “Сцена из семейной жизни” длится примерно час. Бергман не скрывает, что во многом пьеса отражала его нелегкое неудачное супружество с актрисой Лив Ульман и невероятно сложные взаимоотношения его собственных родителей

Ингмар Бергман с женой актрисой Лив Ульман

Затем “Сцены из семейной жизни”  стали полнометражным художественным фильмом. Ведущие театры европейских столиц ставили пьесу на  своих подмостках.  В Израиле зрители видели уже несколько вариантов постановки, в том числе и в Габиме.  И вот - первая в истории совместная работа Камерного и Гешера. Единогласно все посмотревшие признают, что оба исполнителя главных ролей - Итай Тиран (Камерный театр) и Эфрат Бен-Цур (Гешер)нисколько не уступают друг другу в эмоциональности и профессионализме, они оба в одинаковой степени владеют тем самым загадочным актерским “нервом”, который покоряет души зрителей.

 

Премьерные спектакли в Гешере проходят при полных аншлагах

Обращает на себя внимание реакция публики - много смеха в самых, казалось бы, драматических местах, доносится из рядов, где расположилась молодежь

Люди постарше иногда даже недоуменно оборачиваются - настолько неожиданными кажутся веселые смешки.  Возможно, это от неопытности в той самой супружеской жизни? А может, наоборот, внезапное узнавание того, о чем не признаются, и смех лишь защитная реакция???

Каждый из зрителей выносит из зала по окончании спектакля собственное заключение - но почти никто не может сформулировать его однозначно.

Happy end? Герои продолжают любить  друг друга и все хорошо, потому что они больше не муж и жена в клетке рутинных будней?

развод неожиданно оказывается отличным поводом проявить друг другу понимание, сострадание, искренность — и вот уже чувства бывших супругов друг к другу вспыхивают с новой силой?

А может наоборот, несмотря на улыбки героев, все кончается плохо, потому что бывшие супруги перешли красную черту и взаимно оскорбляли и унижали друг друга, как могут только самые близкие, прямо по-живому?

Кажется мне, что и сам маститый драматург и режиссер так никогда и не нашел единственного ответа на мучивший его вопрос. Ведь последнюю, добавочную "Сцену из супружеской жизни"он написал и поставил уже в возрасте 84 лет



Решайте сами. Рекомендую. Хороший, правильно поставленный и блестяще исполненный трудный психологический спектакль. Никто не останется равнодушным.

«3,5 метра» – выставка о том, как быть готовыми ко всему. Как рассказать в музее искусств о глобальных катастрофах…

Маша Хинич

Как рассказать о том, что лучше показать, а вообще-то лучше, чтобы обстоятельства складывались так, чтобы никогда этого не видеть и не знать, но уже в планетарном масштабе понятно, что такое невозможно… Достаточно ли для жизни трех с половиной квадратных метров в нашем мире без границ?

«Три с половиной квадратных метра: конструктивная подготовка к природным катаклизмам» — так называется экспозиция архитектурного отдела Тель-Авивского музея искусств – выставка идей и проектов (научных и социальных), точнее – выставка, родившаяся из научного проекта куратора Майи Винницкой, сумевшей за два года подготовительной работы привлечь десятки и десятки других научных проектов со всего мира, написать книгу-каталог и организовать тематический симпозиум. Книгу советую приобрести – отличное наглядное пособие с объяснениями, чертежами и схемами для тех, кто увлекается фэнтези, любит хорошую полиграфию, любопытен и хочет подготовиться если не к апокалипсису, то к землетрясению.

Все проекты этой смелой и дерзкой выставки, сочетающей темы политики, экологии, архитектуры, дизайна, социальной экономики и социальных сетей, посвящены одному – как предупредить и выжить. Выжить в данном случае — не забывайте, что мы в архитектурном отделе – значит прежде всего  построить укрытие, раздобыть воду, найти пищу. И все это надо уметь сделать без специальных инструментов, руками, самим в современном узкопрофильном мире, в той его части, что привыкла к комфорту и не представляет себе, что может быть по-другому. А в другой части мира – в привыкшей к нищете — так же не представляют, что может быть иначе и кто-то придет на помощь. А ведь, судя по этой выставке, приходят: добровольцы и идеалисты еще не перевелись.

A “Better Shelter,” from the IKEA Foundation, UN Refugee Agency (UNHCR): A Home Away from Home, since 2010. (Better Shelter, IKEA Foundation, and UNHCR)

Кстати, перегородки между частями экспозиции сооружены из фанерных листов упаковочных контейнеров и скреплены кривоватыми скобами, а войти в павильон можно как через «официальные» стеклянные двери, а можно, поднявшись по шаткому сооружению — подвесной дорожке/лестнице, сколоченной из подручных средств, которые находятся на свалке на месте разрушенного дома… Через свалку и входите – сразу окунетесь в деловую научную атмосферу борьбы за выживание на взгляд тех ученых и инженеров, дизайнеров и архитекторов, волонтеров и профессиональных спасателей, кого Майя Виницкая смогла привлечь к участию в «Трех с половиной квадратных метрах».

На деле, как утверждается на этой выставке, в современном мире не все заняты исключительно посещением музеев, и потому рядовые граждане и целые пласты общества уже выработали системы реагирования на различного рода чрезвычайные ситуации. Такие шаги и правила поведения включают в себя публикации в социальных сетях краткой информации, руководств по установке портативных временных убежищ и предоставлению первой медицинской помощи, а также ведение сетевых дневников, в которых люди описывают личные переживания.

Именно этому явлению – самоорганизации на местах, формирующей нашу деятельность и действительность, посвящена новая выставка и ее книга, разделенные четко на 4 темы: «Сторителлинг» (именно так – Storytelling — сторителлинг не на театральных подмостках на личные темы, а в музеях и о климатических коллизиях. Одна из историй называется так: «Мы потеряли всё, но мы счастливы сегодня»). «Cделай сам» (DIY – Do it yourself) или как самому своими руками сделать лучшее временное убежище на свете для тех, кто пострадал в глобальных катастрофах; «Социальные технологии» — о том, как социальные технологии меняют поведения масс во время природных катаклизмов; и «Обмен информацией» — раздел проекта, посвященный обмену накопленными знаниями и основанный на поездке в Непал после землетрясения.
Примеры экспонатов/проектов: «Убежище online» – координационный штаб, связывающий с одной стороны тех, кто потерял крышу над головой в результате природных катастроф, а с другой — желающих принять у себя пострадавших. Постройка – довольно ладная и крепко сколоченная из подручных материалов – из пластмассы и земли. Дом, который можно собрать своими руками. Посуда из пластиковых бутылок, светильник из жестянок из-под напитков, фильтры из камней и песка, светоотражатели из фольги, матрасы из пенопласта.
И более серьезно – аппликация для мобильных телефонов, предупреждающая о землетрясениях; письменный стол – школьная парта, сконструированная израильскими дизайнерами таким образом, что может выдержать падение на нее глыбы весом в тонну с высоты в три с половиной метра. 3D принтер, печатающий строительные конструкции. Серьезная книжечка-памятка на японском (но схемы-картинки понятны и без иероглифов) на тему «как сделать всё из ничего». Временные гибридные постройки для размещения беженцев. Дома для каждого. И еще вот – для любителей полезной романтики: стенд, посвященной добровольной работе в Непале/Бутане: наберите хэштег #ComeToNepal организации Conscious Impact Nepal CSEB и узнаете, как и на выставке, как сделать кирпичи из 70 процентов земли, 22 процентов песка и 8 процентов цемента. Откуда цемент в отдаленной горной деревне, пострадавшей в очередном катаклизме? Предполагают, что цемент – это вклад государственных структур, занятных решением проблем последствий катастроф.

Участники выставки: Toyo Ito, Kumiko Inui, Sou Fujimoto, Akihisa Hirata; Impact Nepal; Paul America; Shigeru Ban и команда архитекторов-волонтеров; Эндрю Бек Грейс; Идо Бруно и Артур Бруттер; Burners Without Borders (Проект Burning Man); Оливер Ходж; Twitter USGS; Эзри Тарази; Лаборатория урбанистических исследований при факультете архитектуры и градостроительства MIT; Центр разработки учебно-тренировочных систем и дистанционного обучения при Питтсбургском университете; Nosigner Design; Stefano Strocchi; Майя Коссовер («Израильская история»); Нета Кинд-Лерер, Уильям Брайенд, Аника Джеймс, Митч Ворд и Джонатан Ли; Майкл Рейнольдс; Программы помощи в чрезвычайных ситуациях Airbnb Disaster Response; проект Better Shelter благотворительного фонда IKEA совместно с Агентством ООН по делам беженцев; Field Ready – оборудование отечественного производства для оказания гуманитарной помощи; MyShake и PetaBencana.id.

Phones equipped to recognize earthquakes via an app called MyShake, at the Berkeley Seismological Laboratory, in Berkeley, Cali. (MyShake)

А зародилась идея этой выставки, описывающей также международную реакцию на ликвидацию последствий стихийных бедствий, в апреле 2015 года, когда в Непале произошло страшное землетрясения силой 7,8 баллов, уничтожившее тысячи людей. В режиме реального времени через социальные сети можно было наблюдать за тем, как рухнули многовековые храмы и как миллионы человек остались без крова. Майя Винницкая, куратор отдела архитектуры и дизайна Тель-Авивского музея узнала в те дни о существовании маленькой непальской деревни Такур, где добровольцы, смешав почву и песок, изготовили десятки тысячи самодельных кирпичей для восстановления домов и школ. Так что эту выставку можно охарактеризовать  и как «работу с населением» — не то, что все должны заучить патенты проектов временных жилищ, но то, что отдел архитектуры и дизайна художественного музея может обсуждать актуальные вопросы текущего бытия, изменение климата, продолжающиеся глобальные конфликты, потоки беженцев и то, что в 2015 году один из 113 людей на Земле был вынужден куда-либо переехать вследствие тех или иных катастроф и потрясений.

Так что «Три с половиной квадратных метра: конструктивная подготовка к природным катаклизмам» — это выставка в художественном музее, но без артефактов, без «искусства». Проекты экспозиции – социальные и научные, а не «нарисованные». Участвует в ней не живописцы, а как уже было указано IKEA с модулярным приютом для беженцев и сейсмологическая лаборатории Беркли в Калифорнии с приложением для телефонов под названием MyShake. Выставка – это еще и серия лекций, мобильный сайт, обучающие программы, и, как и полагается, немного солнца в холодной воде – то есть изрядная доля оптимизма и веры в человечество.

Выставка сопровождается двуязычным каталогом ( английский-иврит), изданным совместно Тель-Авивским музеем искусств и германо-американским издательством Hirmer (http://www.hirmerverlag.de/eu), которое будет распространять каталог в разных странах. Сайт, на котором можно будет учиться выживанию (когда сайт заработает) http://tamuseum-crnd.com/

Выставка «Три с половиной квадратных метра: конструктивная подготовка к природным катаклизмам» продлится до 9 сентября 2017 г.
Сайт Тель-Авивского музея искусств — http://www.tamuseum.org.il

Иллюстрации предоставлены пресс-службой Тель-Авивского музея искусств. Заглавное фото — An image from Andrew Still Grace’s PBS interactive documentary, ‘After the Storm.'(Andrew Beck Grace)

История о деформации мира — черная комедия  в театре «Маленький» о том, как человек превращается/не превращается в машину.

26 и 27 апреля и 3 мая театр «Маленький» вновь покажет в Тель-Авиве свой новый спектакль «Семейство Тотов» — «комедию с убийством», абсурдную трагикомедию о том, как избежать превращения человека в исполнительную машину – тема, актуальная во все времена. В том числе и в те, которые описаны в пьесе – военные; те, когда написана пьеса – послевоенные, и во времена нынешние в Израиле, когда режиссер Михаил Теплицкий и драматург Михаил Хейфец вспомнили, рискнули и выиграли, показав на тель-авивской сцене пьесу венгерского писателя Иштвана Эркеня, бывшую когда-то чрезвычайно популярной во всем мире в 1970-80-х годах,  в свое время шедшую в 27 театрах одновременно еще в СССР.  И сейчас «Семейство Тотов» — востребованная  пьеса, показываемая по всему миру.  В Венгрии эта пьеса стала классикой.  Да – в СССР, при его плохо прикрытом тоталитарном режиме, потому что гротеск, сатира, характеры, ситуации и абсурд всего происходящего, столь мастерские сплетенные Эркенем и заново поданные в адаптации Михаила Хейфеца, позволяют трактовать сюжет как угодно, делая его сказочным и актуальным, невозможным и реальным, превращая его в трагедию гуманизма и комедию положений, поворачивая действие к зрителям неожиданными гранями повествования о том, как система пытается сделать из «человека неподчиняющегося» ничто, пустую коробку, которую так просто смять, подчинить   индивидуума, который ломается или восстает – кому как повезет…
А кому повезет, как раз и сможет увидеть «как повезет»  – 26 и 27 апреля и 3 мая в Тель-Авивском центре Сузан Далаль на спектакле «Семейство Тотов».

С помощью гротеска Эркень превращал невероятное в вероятное, сочетая тонкую лирику, игру «на нерве» и блестящую сатиру. События происходят в венгерской деревушке, в горах. Действия выстраиваются между настоящим днем и прошлым, где-то идут военные действия… Ни в пьесе, ни на сцене нет оружия, нет идеологии, а есть капризы одних, подчинение других, страх за близких и за себя, доброта, доведенная до отчаяния. Есть маленький человек в безумной, комедийно убийственной ситуации, когда «придурковатый» майор мастерит машину, превращая людей в механических манекенов. Как себя поведут в этой ситуации герои пьесы, найдут ли точку опоры, смысл происходящего с ними и вокруг них?

Идет война… Не важно где и когда… В крошечную венгерскую деревушку Матрасентану, затерянную в горах, доносятся только ее отголоски — письма с фронта. По настоянию солдата Дюла Тота, его командир майор Варро приехал на побывку в семью Тотов в деревню, а сам Дюла остался на Восточном фронте под Курском. Это завязка комедии спектакля. «Когда моим солдатам случается сидеть без дела, я всегда заставляю их отрезать и снова пришивать пуговицы к штанам. Это их великолепно дисциплинирует». Это слова майора Варро. Майор Варро жертва посттравматического стрессового расстройства. Он — главный источник абсурда и увлекае в его пропасть  все семейство. В стороне остается только один герой, почтальон, берущий на себя роль вершителя судеб. История семейства Тотов начинается, как анекдот, как шарж, но постепенно превращается в метафору, в пародию, в безропотное подчинение безумным капризам. Тоты готовы на все, чтобы угодить гостю. А майор живет так, как привык: командует направо и налево, спит днем, бодрствует ночью и заставляет гостеприимных хозяев выполнять все свои капризы…

«Семейство Тотов» в «Маленьком» — это черная комедия, убийственный юмор, это обсуждение сценическим языком темы войны и диктатуры, это сатира на жажду власти и ее безумие, это осмысление поведения человека в жерновах исторических катаклизмов, памфлет напоминающий местами «Швейка» — памфлет, высмеивающий нелепость, автоматизм, подчиненность, оболванивание человека, Это гротескная нелепость, фантасмагория. Это трагедия о тоталитаризме, превращенная в фарс.

«Если змея (редкий случай!) проглотит самое себя, останется ли после нее пустое место? И еще: есть ли сила, способная заставить человека проглотить свою человеческую суть — до последней крохи? Есть или нет? Есть? Каверзный вопрос» — так писал Иштван Эркень. Напомню, что драматург Михаила Хейфеца создал свою драматическую адаптацию, инсценировку под названием «Добро пожаловать в Матрасентану!» по новелле Иштвана Эркеня, хотя у самого Эркеня есть одноименная пьеса, от новеллы многим отличающаяся. По ряду причин (к примеру, 15 действующих лиц, а у «Маленького» меньше актеров), Михаил Хейфец  предложил  взять  за основу именно новеллу Эркеня. На иврите эта пьеса в редакции самого Эркеня показывалась последний раз в 1974 году в Хайфе. Театр «Маленький» вернул Эркеня в Израиль именно на иврите (в переводе Элины Штрахман), доказывая тем самым в который раз, что «Маленький» – это антитеза репертуарному коммерческому театру.

«Семейство Тотов — 26 и 27 апреля и 3 мая  в Центре Сузан Далаль в Тель-Авиве.

Постановка – Михаил Теплицкий, сценография, костюмы и свет  Вадима Кешерского, композитор Евгений Левитас, ассистент режиссера – Леон Мороз. Инсценировка  – Михаил Хейфец. Перевод — Элина Штрахман.

В ролях: Ори Леванон, Виталий Воскобойников, Ксения Маркузе, Адас Эяль, Ицхак Пекарь.

Заказ билетов — здесь и здесь: https://malenki.smarticket.co.il/

Спектакль идет на иврите

Страница театра «Маленький» в фейсбуке — https://www.facebook.com/Malenki.Theatre

Ссылки в тему:
«Семейство Тотов» – возвращение Иштвана Эркеня в Израиль
Премьера «Маленького»: «Семейство Тотов» – спектакль о войне, которая внутри нас

Маша Хинич. Фотографии предоставлены © Еленой Запасской

 Источник  - http://www.israelculture.info

Гага 2017 - и для тех, кто не умеет танцевать. «Ангар 11» в Тель-Авиве, 28 апреля 2017 года.

Охад Нагарин – художественный руководитель ансамбля «Бат-Шева», преподаватели движения гага и танцовщики «Бат-Шевы» проведут открытые уроки гага для всех желающих в «Ангаре 11» в Тель-Авивском порту
28 апреля, пятница, двери открываются в 13.00, начало урока – в 14.00. Предварительная цена билетов – 55 шекелей, продажа на месте – 60 шекелей. Подходит для всех желающих в возрасте старше 16 лет. Нет необходимости в предварительных занятиях танцами или движением гага для тех, кто хочет принять участие в открытом уроке «Гага в Ангаре».

Движение гага Охад Нагарин развивает с 1990-го года. За прошедшие 27 лет уже перестали заключать это  выдуманное им слово в кавычки: вот так - «гага», а просто пишут - гага, потому что гага – и слово, и явление, и движение -  прочно вошло в обиход, и не только в Израиле. Уроки движения гага для всех желающих уже стали тель-авивской традицией. В этом году такой урок будут проведен в 7-й раз. Приглашаются на него все желающие (в прошлом году в нем приняли участие 1200 человек). Художественный руководитель ансамбля «Бат-Шева» Охада Нагарин вместе с танцовщиками ансамбля и преподавателями движения гага – системы движения, разрабатываемой им в течение десятилетий и, без сомнения, повлиявшей на модерн-балет, проводят такой урок действительно для всех-всех-всех. И над сказать, что это удивительное зрелище: потому что у всех-всех-всех получается двигаться и танцевать в духе гага – стоит только захотеть. По традиции же, начавшейся семь лет назад, все сборы от открытого урока движения гага перечисляются в тот или иной фонд. В самый первый раз все сборы от «Гага в Ангаре» пошли в фонд помощи пострадавшим от землетрясения в Японии. В этом году сборы будут перечислены в фонд Ассоциации за гражданские права в Израиле.

Гага – язык движения, разработанный Охадом Нагарииным, сейчас развивается в двух направлениях – для профессиональных танцовщиков и для всех, кто хочет получить удовольствие от этого движения, приносящего радость, укрепляющего телесно, увеличивающего гибкость и усиливающего мышцы. Гага занимаются в обычной одежде: главное, чтобы она не сковывала движения. Продолжительность урока – час без перерыва. Просьба от организаторов – приходить без больших сумок и без лишних вещей.
В одном из интервью Дина Альдор, генеральный директор «Бат-Шевы», так расшифровала термин гага: «Это прежде всего, серьезная сценическая техника, система работы. Гага радикально отличается от большинства методов обучения танцу. И с другой стороны, как считает Охад Нагарин, разрабатывающий идеи гага с 1990-го года - это метод радости движения, возможность понять, как тело должно воспринимать и передавать движение. Гага – это любовь к движению, связь с пространством, с самоощущением, с выстраиванием отношений. Это - рамки, внутри которых можно творить свободно. Гага - основа ежедневного тренинга танцовщиков ансамбля «Бат-Шева»: через движение каждый из них учится думать, чувствовать, творить. Движение становится для них основным выразительным средством. Танцовщику необходимо преодолевать свои возможности, идти дальше, постоянно развиваться. А еще одна из главных идей Нагарина та, что танец врачует тело и душу, а за образец координации он берет правильность и естественность движений животных».

Сам Нагарин говорит: «Гага - это способ почувствовать радость движения. Прислушаться к каждой клеточке организма, понять то, что должны воспринимать и передавать руки, ноги, шея - все части тела. Я всегда хотел создать рамки, внутри которых можно творить свободно. Так родилась система гага – как результат моих исследований, как некий набор инструментов, которые дают мне возможность показать чувства, нежность и мягкость танца, его безумие и страсть. Его математику, геометрию, философию – все, что есть в танце. Нежность и точность. Это бесконечные понятия – в них я все время нахожу что-то новое. Гага выражает суть через движение, развивает ощущение того, что мы – это не тело, а мысли и душа».

При ансамбле «Бат-Шева» организован специальный курс движения гага для 30 лучших учеников балетных студий Израиля. Подобный курс гага проходит ежегодно и для 30 профессиональных танцовщиков из-за границы. Начиная с 2011-го года гага преподается в Гарвардском университете на факультете музыки и искусств и является одним из предметов академической программы нью-йоркской школы Джульярд.
Предварительная продажа билетов на сайте: http://hangar11.co.il , по телефону 03-6020888#1

или на сайте: https://batsheva.co.il/he/Gaga-at-the-Hangar-2017

Маша Хинич. Фотографии - © Гади Дагон -  предоставлены пресс-службой ансамбля "Бат-Шева" 

19 апреля в Израиле начнутся гастроли экстраординарного квартета Salut Salon. Один из самых популярных женских квартетов Европы впервые выступит в нашей стране. В Тель-Авиве, Хайфе, Иерусалиме и Ашдоде будет представлена оригинальная программа «Карнавал животных и другие фантазии». 

В феврале 2014 года ролик Salut Salon буквально взорвал Youtube. За несколько месяцев он набрал 22 миллиона просмотров! Увидеть героев этого ролика, а, вернее, его героинь, израильскому зрителю посчастливится уже на этой неделе. 

Итак, они прилетели в Израиль и готовятся к своим первым гастролям в нашей стране. Четыре красивые девушки в стильных маленьких черных платьицах, на шпильках, две скрипки, виолончель и фортепиано…. Встречайте! Salut Salon - один из самых экстравагантных квартетов Европы.  Анжелика Бахманн (скрипка), Мета Хупер (скрипка и вокал), Анна Моника Твардовски (фортепиано) и Фредерика Дани (виолончель). Все девушки получили блестящее классическое музыкальное образование у именитых педагогов, и, как положено в таких случаях, все принимали участие и побеждали в самых престижных музыкальных конкурсах. У каждой - не только музыкальная степень, но и другие интересы и увлечения. У них все очень серьезно: и образование, и любовь к музыке.

Их заразительное исполнение и огромная любовь к классической музыке, которую они исполняют с неиссякаемыми фантазией и юмором нашли путь к сердцу зрителей во многих странах. Виртуозное исполнение, личное обаяние и чувство юмора вызывают восторг даже у тех зрителей, которые слабо разбираются в классической музыке.

Они не только великолепно владеют своими инструментами, но и обладают блестящими вокальными данными. При этом, выступления четверки можно даже смотреть без звука - смысл происходящего на сцене и так понятен, эмоциональная игра – главная фишка Salut Salon. Струнные и пианино в женских руках начинают говорить и перекликаться между собой. Девушки будто сливаются со своим инструментами, становятся их душой.

Вот что рассказывает Анжелика Бахман, одна из основательниц квартета Salut Salon: «Мы всегда ищем новые мелодии и направления, и, как правило, выбираем не композитора, а стиль музыки. Одна из нас предлагает произведение, которое ей близко. Мы экспериментируем, импровизируем, придумываем новые аранжировки. Однако, произведение, которое входит в программу должно нравиться всем членам квартета. Это может быть даже  китайская популярная песня, которую мы слышали на гастролях в Азии или песня Лазы де Сэлы с другими словами. В этом смысле, у нас демократия.

Над каждой новой программой мы работаем долго и интенсивно. Как правило, это продолжается два года, пока нам не понравятся все детали. Нас вдохновляют повседневные события, встречи с людьми на гастролях, новые идеи и культуры.

Каждая из нас приносит свои мысли, и даже, если они кажутся абсурдными, мы пробуем все. Сейчас мы работаем над новой песней которая называется «How Deep Can You Love». На этот раз, наш партнер известный в Германии рэппер Samy Deluxe. Песня - о любви, и она прекрасно вписывается в нашу новую программу (о любви), которая стартует в июле. Нас очень вдохновляют такие неожиданные сочетания. Рэп – это новый стиль для нас, а классическая музыка – новая сфера для Сами».

Репертуар Salut Salon чрезвычайно разнообразен: танго Пьяцолы, «Малагена» кубинского композитора Лекуоны, восхитительные обработки произведений Мендельсона, Бернстайна, Брамса, Мусоргского, Сен-Санса и даже избранные темы из фильма «Психо» Хитчкока.

Исполнение популярной классической музыки, танго, шансона, музыки из фильмов у Salut Salon - это не просто набор трюков, это море исполнительской изобретательности выражающей основную идею с тонким юмором и с отменным вкусом. И сделано это так по-женски, немножко со стебом и эдакой «конкуренцией», мол - «Я круче тебя, детка», «Не тут-то было! Я великолепна!», «Красотки, а, вот так, вы можете?!». И они действительно все очень хороши: великолепны, талантливы, артистичны. Все, что они делают на сцене - виртуозно, изобретательно, музыкально, ярко, свежо и очень весело.

По словам Анжелики Бахман, в Израиле квартет представит известную программу «Карнавал животных и другие фантазии». «Мы учим несколько слов на иврите и предложим израильским слушателям пару сюрпризов». Изначально нас вдохновил «Карнавал животных»  Сен-Санса, но позднее мы пригласили и других зверей, которых не было у Сен-Санса: овечку из кантаты «Овечка может смело пастись» Баха, акулу из Escualo А. Пьяццоллы, пчел из «Полета шмеля» Римского-Корсакого и змею Каа из «Маугли». Мы поем и наши собственные сочинения о том, что люди и животные не так уж сильно отличаются друг от друга. Программа «Карнавал фантазий, или Карнавал животных и другие фантазии» - это праздник вдохновения, на котором представлены музыкальные размышления величайших композиторов мира о животном царстве.

Выступления квартета Salut Salon с программой Carnival of the Animals пройдут:

19 апреля, в 20.00, в Центре сценических искусств в Тель-Авиве
20 апреля, в 20.30, в зале «Аудиториум» в Хайфе
21 апреля, в 13.00, в «Театрон Иерушалаим» в Иерусалиме
22 апреля, в 21.00, в Центре сценических искусств в Ашдоде
Сайт квартета: http://www.salut-salon.com/en/salut-salon/

Посмотреть видео: https://www.youtube.com/watch?v=BKezUd_xw20

Билеты в кассе «Браво»: *3221, http://bestbravo.co.il/announce/54206

Орган Фотографии: Wolfgang Michalowski, Frank Eidel, Andre Reinke.

Организаторы гастролей – фирмы Bimot Global и Liga-S LTD.

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Начинайте верить в переселение душ. И в перевоплощение. На сцене – Владзи Либераче, он же – Леонид Пташка (а вместе с ним - Элвис Пресли/Мозес Си). Интервью в преддверии «Либераче-шоу» - нового концертного тура Леонида Пташки и Мозеса Си в мае и июне 2017 года в Израиле

 - Лёня! Добрый день! Фигура Либераче, точнее его образ – легендарный. Он стал мифом шоу-бизеса. Но почему израильтяне хорошо знают историю этого пианиста, а русскоязычной публике едва знакомо его имя?

- Либераче – это символ времени расцвета Лас-Вегаса. Но в то время - в1950-60-е годы - в Советском Союзе действовала политика железного занавеса. Хотя и в железном занавесе были дыры. Имя Элвиса Пресли, на формирование образа которого оказал влияние Либераче, было знакомо всем. Но на самом деле, нам – тем, кто жил за железным занавесом, доставались крупицы информации. Вот один из примеров, который я всегда привожу: до сих пор не все, приехавшие из России, знают, что песню «My way» написал не Фрэнк Синатра, а Пол Анка, и он же стал первым исполнителем своей собственной песни, и только позже отдал ее Фрэнку Синатре. Некоторые легенды живучи, несмотря на опровергающие их факты.

 - И это при том, что некоторые факты, если не стали мифом для всех, остаются малоизвестны. Так произошло и с Либераче. Где-то он все еще супер-популярен, где-то вовсе незнаком. Как ты пришел к теме его музыки, почему занялся его наследием?

- Прежде всего, потому, что Владзи-Валентино Либераче был человек очень неординарный. Он был первым, кто придумал и поставил в Лас-Вегасе настоящее шоу, формат которого сохранился по сей день. Он во всем был первым! И, кстати, в годы расцвета его карьеры, он был самым дорогим музыкантом в мире. С него всё началось. До него Лас-Вегас ассоциировался с казино, с азартными играми, а он привнес туда настоящие ярчайшие концертные шоу. Он выходил на сцену в бобровых и норковых шубах, у него рояль был усыпан настоящими бриллиантами, у него была самая большая коллекция концертных роялей, но главное то, что он ежедневно выступал в Лас-Вегасе со своим шоу, которое так и  называлось  - «Либераче-шоу». А до этого у него были собственные телепередачи еще в начале 1950-х годов. Он начинал как музыкант-антрепренер, который рассказывал про классическую музыку на тогда еще только возникших телеканалах и вел эти программы много лет. Позже, когда он организовал свое шоу в Лас-Вегасе, он практически полностью ушел в шоу-бизнес и перестал выезжать на гастроли. Именно его личность привлекла меня в первую очередь, его творческая дерзость, смелость и любовь к новизне, его яркость...

- Привлекла настолько, что Владзи-Валентино Либераче стал героем твоей новой концертной программы?

- Либераче воплощал в себе разностороннего музыканта: он исполнял и джаз, и классику. И исполнял превосходно, несмотря на всё внешнее – пышность, блеск и лоск его окружавшие. Сегодня бы его назвали «Мистер Глянец», тогда же давали такие прозвища, как Мистер Китч или даже Мистер Канделябр. Сам себя он называл «Мистер Шоу-бизнес».  Он был, к примеру,  первым из современных музыкантов-джазистов, кто водрузил на рояль канделябр. Но если китч – понятие отрицательное, то все, что придумывал и создавал Либераче было настолько органичным, что казалось абсолютно позитивным. Внешне всё было просто - музыка и роскошь, на деле – очень сложно. Он был весьма неоднозначной фигурой и потрясающим пианистом, работал во всех стилях, как я уже говорил: классика, джаз, популярная музыка. Многие музыканты мечтали выступать с ним.

 - Ты известен в Израиле как пропагандист всего нового, того, чего еще не показывали на здешних сценах, новых форматов... Кого еще ты увлек идеей вспомнить Либераче и привлек для участия в этом проекте?

- Элвиса Пресли!!! Точнее, его местного двойника – прекрасного вокалиста Мозеса Си. Элвис Пресли также выбивался из всех рамок, был абсолютно нестандартной фигурой, реформатором поп-музыки. После Пресли, как и после Либераче, начался новый отсчет в шоу-бизнесе. Известно, что они встречались и что Либераче повлиял на Пресли (и также на Элтона Джона) в том, что касалось костюмов, подачи шоу, общения с публикой, того, что называют паблисити. Наша новая программа - это именно шоу, и даже не чисто джазовое, а скорее такое, какое лучше всего описать английским словом entertainment. То есть развлечение высшей марки и одновременно дань памяти двух гигантов музыкальной шоу-сцены. Им не привелось выступать вместе – ну а мы это за них сделаем...

 - Каким образом? Вызывая их дух?

- Почему нет? Именно вызывая их дух, их музыку, их характеры и образы. Мне часто говорили, что есть нечто схожее в поведение на сцене, на публике между Владзи-Валентино Либераче и мной. Но до поры до времени я как-то не обращал на это внимание, меня привлекали совершенно другие примеры, пока я не понял, что вся эта история – основа для своеобразного спектакля. Мозес Си похож на Элвиса, я на Либераче, так почему же нам не придумать красочный сценический ремейк, яркое шоу, исполняя любимую нами музыку?

– Ремейк? Что ни в коем случае не означает подражания...

- Именно так... Это не слепок со старых шоу Лас-Вегаса, не подражание, а homage, своеобразный ремейк, дань тому времени, когда музыка побеждала... А внешний антураж для шоу необходим – но мы не используем современные технологические эффекты, а как раз пользуемся тем, что придумал Либераче – костюмы, блеск, море огней... Мы вызываем дух Элвиса и Владзи-Валентино, но не через компьютерные приложения, а своей игрой. На сцене нас 15 человек - Мозес Си, я и оркестр: гитары, духовые инструменты. Живая группа – как во времена Пресли и Либераче. Все оркестровки и аранжировки сделаны практически один к одному к звучанию 50-х годов. Мы около года проводили серьезные музыкальные исследования для того, чтобы наши зрители вспомнили то, чего не видели никогда – Пресли и Либераче на одной сцене.

***********

Кто такой Либераче? Владзи-Валентино Либераче - американский пианист, певец и шоумен - в 1950-е-1970-е годы был самым высокооплачиваемым артистом в мире. Его карьера охватывает четыре десятилетия - и не только концертов, но и выпуска альбомов, участия в телевизионных проектах и кинофильмах. Виртуозная техника игры, супер-экстравагантные костюмы, эскапизм и талант  создали его образ и его телешоу, за которые Либераче получил две премии «Эмми». Он играл джаз, хотя дебютировал в 1936-м году в 17-летнем возрасте как солист Чикагского симфонического оркестра, исполняя Первый концерт Ференца Листа. В 1952 году состоялся дебют Либераче как шоумена на телевидении. Он легко общался со зрителями, стал знаковой иконой 1950-х, побил все рекорды посещаемости концертов (110 тысяч на Soldier Field в Чикаго) и стал самым высокооплачиваемым пианистом своего времени. И самым эксцентричным. Либераче снимался в кино, гастролировал от Австралии до Британии, писал книги, постоянно выступал на телевидении. В 1980-м в Лас-Вегасе музыкант был назван одновременно «звездой года» и «эстрадной персоной года». В 1981-м ему была вручена премия «Золотой микрофон» («Golden Mike»), у него - две звезды на Голливудской Аллее Славы

В 1984-м году состоялся первый концерт с участием Либераче в нью-йоркском «Радио-Сити-Мьюзик-Холл», который по посещаемости установил наибольший рекорд за всю историю этого зала: на тот концерт пришло более 80 тысяч зрителей. О Либераче складывали и продолжают складывать легенды. Одна из них – о его встрече с Элвисом Пресли, о котором говорят, что тот перенял от Либераче увлечение мишурой и блестящими тканями. Впрочем, как и Элтон Джон, влияние на которого Либераче несомненно. Умер Либераче в 1987-м году. В Лас-Вегасе еще до недавнего времени существовал музей, в котором хранились его невообразимые шубы, костюмы и около 40 роялей.

Линк на видео: https://www.youtube.com/watch?v=q9nO9Ro_kd4

Интервью брала Маша Хинич

********

Нетания, 3 мая 2017, среда, Гейхал ха-Тарбут — Аудиториум, 20:30
Маалот, 17 мая 20176, среда, новый Гейхаль ха-Тарбут, 20:00
Тель-Авив, 20 июня 2017, вторник, Тель-Авивский музей - зал «Реканати», 20:30

Хайфа, 23 июня 2017, пятница, Аудиториум, 21:00
Ашкелон, 28 июня 2017, среда, Гейхаль ха-Тарбут, 20:30

Заказ билетов: http://bestbravo.co.il/announce/55484

Фотографии (© Шломи Пинто) предоставлены организатором концертов - фирмой FGK Production

В пятницу 19 мая, в 13:00, в рамках 19-го Международного музыкального фестиваля имени Фелиции Блюменталь в зале «Реканати» Тель-Авивского музея состоится концерт  вокального октета под управлением Стивена Коннолли – певца-баса и руководителя прославленного ансамбля The King’s Singers. В программе концерта — музыка Бриттена, Дебюсси, европейские мадригалы, песни английских композиторов, народные и эстрадные песни.

Среди участников октета –  молодая певица меццо-сопрано Злата Хершберг-Рупасова, интервью с которой берет Максим Рейдер.

Совсем недавно Злата приняла участие в исполнении оперы Моцарта «Импрессарио» — совместной постановке оперной студии «Вена – Тель-Авив» и Камерного оркестра; выступила в гала-концерте под управлением Зубина Меты и в других концертах. Она — победительница конкурса летней оперной студии  IVAI,  участница международных конкурсов вокалистов.

Ее имя пока знакомо немногим, но есть все основания полагать, что ее ждет успешная сольная карьера. Злата обладает вокальными и драматическими данными, наделена ясным аналитическим умом и получила разностороннее музыкальное образование.

Злата Рупасова. Фото © Максим Рейдер

Злата приехала в Израиль пять лет назад из Нижнего Новгорода, где закончила музыкальный колледж имени Балакирева. Училась там на отделениях теории музыки и вокальном, до этого изучала хоровое дирижирование, а началось ее музыкальное образование, когда ее в пять лет усадили за фортепьяно. Отец Златы – режиссер драматического театра, так что мир сцены знаком и понятен ей с детства. В Израиле Злата Хершберг-Рупасова закончила Тель-Авивскую музыкальную академию  по  классу  Шарон Росторф Замир, признанной израильской певицы и педагога.
Как и всякая певица, Злата надеется выстроить большую международную карьеру, а пока участвует в международных конкурсах, победа на которых может открыть перед ней многие двери, и поет в рамках различных вокальных проектов, одним из которых является Вокальный октет – солисты «Моран». Работа в октете ей нравится – она говорит, что ей по душе профессионализм и разнообразие музыкального материала, характеризующие работу ансамбля.

На вопрос о наиболее близком ей репертуаре Злата отвечает:
— Я люблю русскую оперу – Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского.
Вокальные циклы Мусоргского у меня в репертуаре — он придал новое звучание русской драматической музыке. В репертуаре и «Царская невеста» Римского-Корсакова. Русская опера – это целый комплекс, не просто музыка со словами, но театр по системе Станиславского. Мне очень нравится работать над характерами героев русских опер: они глубже, чем может показаться на первый взгляд. Конечно, мне помогает знание языка и понимание «загадочной русской души», которая наиболее полно выражается в музыке. Возможно, если бы я на протяжении года позанималась с серьезным оперным педагогом, я смогла бы глубже понять и итальянскую оперу.

Злата добавляет:
— Люблю Малера – он очень подходит моему голосу. И это музыка, все нюансы которой, прописанные в партитуре, можно разбирать часами. Оркестр у него равноценен голосу, певец не главенствует, но вместе с оркестром составляет ансамбль.  Петь Малера – непередаваемое ощущение.
Что она думает об актерской игре? 
— Оперу надо играть. Когда я работаю с ариями или операми, я рассматриваю оперу как пьесу. Я беру отдельно либретто и отрабатываю его как пьесу и лишь затем обращаюсь к музыкальному материалу. Вот пример из репертуара барокко: я пела арию  Disprezzata regina из оперы «Коронация Поппеи» Монтеверди. Это монолог как в драматическом театре, только положенный на музыку. Я не прикасалась к музыкальному материалу, пока не разобрала весь этот драматический монолог с плачем, переходящим из одного состояние в другое и не поняла, почему эти переходы происходят. Когда ты потом берешь в руки ноты, ты понимаешь, что все они в точности отражены в музыке. Я убеждена, что оперный певец во многом должен играть как драматический актер. А поскольку идеи театра вбивались мне в голову с детства, игра стала для меня второй кожей.

Я выбираю новый материал, руководствуясь не только тем, как он может лечь мне на голос, но и в немалой степени тем, насколько мне интересно прожить его, в какое состояние он может привести меня, и что я могу донести до зрителя.

Беседовал Максим Рейдер

 ********

Напоминаем, что 19-й международный музыкальный фестиваль, носящий имя выдающейся пианистки Фелиции Блюменталь, пройдет в Тель-Авиве сС 15 по 20 мая.  Впервые фестиваль  состоялся в Тель-Авиве в 1999 году и с тех пор проводятся ежегодно. В программе: камерная, старинная, оркестровая, вокальная музыка и фолк, спектакли, лекции, документальные и художественные фильмы. Участники фестиваля — ведущие израильские и зарубежные музыканты. Место проведения фестиваля — Тель-Авивский музей искусств.  Фестиваль также уже не первый год взаимодействует с неделей гитарной музыки и на сей раз на нем выступят такие известные гитаристы как Марчин Дылла из Польши и американо-французский гитарист Стефан Рембель, а также гитарный квартет Cologne.

Гитарный квартет Cologne

Фестиваль Фелиции Блюменталь — пожалуй, самый необычный из израильских музыкальных фестивалей. Он обращается к широким кругам любителей музыки, его программы трудно втиснуть в жесткие рамки. Музыка различных жанров — от барокко до фолка, от камерной до джаза, лекции и фильмы о людях искусства дополняют друг друга и создают целостную картину культурной жизни той или иной эпохи. Девиз фестиваля — разнообразие, высокий уровень исполнения и безупречный вкус.

Фестиваль носит имя замечательной польской пианистки Фелиции Блюменталь и посвящен ее памяти. Ее необыкновенная судьба — и судьба ее дочери, художницы и певицы Аннет Селин, увековечившей память о матери в музыкальном фестивале, нашла отражение в его художественной концепции. Эти две незаурядные женщины — граждане мира, связанные с Израилем крепкими узами.

Как всегда, в программе фестивали есть новые имена, новые произведения и редко исполняемая музыка. И, как обычно, программа фестиваля связана с личностью Фелиции Блюменталь, с ее жизнью и ее семьей. Аннет Селин продолжила дело матери. Она организовала в Тель-Авиве музыкальный центр имени Фелиции Блюменталь, при нем – библиотеку. Под эгидой центра и возник 19 лет назад международный музыкальный фестиваль, основательницей и художественным руководителем которого является Аннет Селин. Музыкальная программа фестиваля строится таким образом, чтобы включить в нее любимые произведения пианистки, малоизвестные сочинения и новую музыку, которую для израильской публики исполняют как зарубежные, так и израильские музыканты. Часть израильских исполнителей выступают на фестивале ежегодно, часть зарубежных – возвращаются не в первый раз, создавая фестивальные традиции и подогревая интерес к его программе.
Программа фестиваля 2017:
Все концерты фестиваля проходят в Тель-Авивском музее искусств. По времени они делятся на три группы.

Утренние программы (начало в 10:00 или 12:00) — лекции, показ фильмов или спектаклей.
Концерты, начинающиеся в 17:00 и в 18:30. Продолжительность этих концертов, как правило, час с небольшим. Обычно они проходят в галереях музея. В них участвуют как признанные артисты, так и молодые израильские музыканты.
Вечерние концерты — центральное событие дня — начинаются в 20:30.

Избранные программы фестиваля:

Ecco la primavera («Наступает весна»).
Музыка, песни и танцы стран Средиземноморья эпохи Средневековья и Возрождения в исполнении ансамбля Mezzo и музыкантов из Греции, с участием феноменальной певицы сопрано из Израиля Яэлы Авиталь.

«Марш Дундурма». Фото: Amit Alfonta

«Марш Дундурма» — концерт-представление для всей семьи

«Дон Кихот отправляется в Вену»
Специальный проект ансамбля La Ritirata (Испания). Фрагменты из опер Антонио Кальдара на романа Сервантеса, 400-летию со дня смерти испанского писателя.

«Кельтские голоса»
Израильский вокальный ансамбль под управлением Юваля Бен-Озера вместе с ансамблем Evergreen Band исполнит народные и шотландские песни и лирические баллады.

Гитарист Стефан Рембель (Франция/США) и ансамбль Swing de Gitanes
Стефан Рембель, один из самых ярких гитаристов-виртуозов нашего времени, которого журнал «Роллинг стоунс» назвал «открытием», а Вуди Аллен пригласил участвовать в создании фильма «Полночь в Париже», вместе с израильским трио Swing de Gitanes исполнит на фестивале цыганскую музыку.

Мюзикл Cats

Лекция и фрагменты из документальных фильмов

Солисты «Моран» и Стивен Конноли

Великолепные израильские певцы молодого поколения Адас Фаран-Асия, Авиталь Дери, Злата Хершберг, Ошри Сегев, Гай Пельц и другие под управлением Стивена Конноли («Кингз консорт», Англия) в программе а’капелла.

Концерт современной музыки
Ансамбль «Мейтар» под управлением молодого израильского дирижера с международной карьерой Юваля Зорна исполнит музыку Шенберга, Равеля и Адамса.

В программе фестиваля также спектакль «Ложка океана» по мотивам творчества польской поэтессы Виславы Шимборской и несколько фильмов, в том числе: «Мистер Тернер» Майка Ли (2014, о художнике Уильяме Тернере) и «Я живу для искусства» об Аннет Селин — ее жизни, творчестве и о фестивале, который она создала.

19-й международный музыкальный фестиваль имени Фелиции Блюменталь.

Тель-Авив, 15-20.05.2017. Сайт фестиваля http://www.blumentalfestival.com/

Полная программа — http://www.blumentalfestival.com/programme-2017-modal/

Заказ билетов: касса «Браво» — http://bestbravo.co.il/search/?producer=268&all=1

(цена билетов – от 45 до 150 шекелей)

Художественный руководитель фестиваля: Аннет Селин
Исполнительный директор фестиваля: Авигайль Арнхайм.
Все материалы и фотографии предоставлены пресс-службой фестиваля
Фото Златы Хершберг-Рупасовой — © Максим Рейдер

">

Сразу после окончания праздничной пасхальной недели на экраны израильских кинотеатров выйдет грандиозная российская космическая драма режиссёра Дмитрия Киселёва «Время первых», рассказывающая о первом выходе человека в открытый космос. Фильм будет транслироваться на русском языке с субтитрами на иврите.

Этот проект в израильских кинотеатрах по всех стране будет показан компанией «КиноРай» – официальным дистрибьютором фильмов на русском языке в кинотеатрах Израиля.

Главные роли в фильме «Время первых» сыграли: Евгений Миронов и Константин Хабенский. В киноленте приняли участие также Владимир Ильин, Александра Урсуляк, Елена Панова, Александр Ильин мл., Александр Новин.

Продюсерами проекта выступили Тимур Бекмамбетов, Евгений Миронов и Сергей Агеев. Фильм снят в формате 3D. Премьера фильма в России состоялась 6 апреля 2017 года и получила самые высокие оценки.

В основу фильма легли реальные события о первом в истории выходе человека в открытый космос, который совершил Алексей Леонов с корабля «Восход-2». Роли космонавтов Леонова и Беляева исполнили Евгений Миронов и Константин Хабенский, для которых съемки этого фильма - первый опыт работы вместе. Сергея Королева сыграл
Владимир Ильин. Алексей Леонов отметил: «В фильме есть моменты, когда даже мне страшно. В жизни я выполнял задачу, не сильно задумываясь об опасности».

Итак, 1965 год. Разгар холодной войны. Две супердержавы СССР и США бьются за первенство в космической гонке. Пока СССР впереди, на очереди - выход человека в открытый космос. За две недели до старта взрывается тестовый корабль. Времени на выявление причин нет. И пусть риски огромны, мы не можем уступить лидерство. Опытный военный летчик Павел Беляев и его напарник Алексей Леонов, необстрелянный и горячий, мечтающий о подвиге, готовы шагнуть в неизвестность. Но никто не мог даже предположить, с чем им предстояло столкнуться в полете. В этой миссии все, что только можно, пошло не так.

«Время первых» - первый масштабный российский фильм о космосе, снятый также в формате 3D, продюсерами которого стали Тимур Бекмамбетов, Евгений Миронов и Сергей Агеев. Над фильмом трудилась команда лучших российских и зарубежных специалистов: художников, бутафоров, специалистов по компьютерной графике, VFX-супервайзеров и других. Работа над зрелищной стороной картины заняла 29 месяцев.
Ключевые эпизоды фильма - выход Евгения Миронова в открытый космос и возвращение экипажа на землю - созданы при помощи уникальных для российского кинематографа технологий.
Дважды герой Советского союза, космонавт Алексей Леонов выступил одним из главных консультантов картины и одобрил результат проделанной работы.

Идея создания.
18 марта 1965 года космонавт Алексей Леонов стал первым человеком, вышедшим в открытый космос. Согласно данным официальной хроники, полет корабля «Восход-2» прошел благополучно. Однако на самом деле все было иначе. За два дня на борту произошло семь нештатных ситуаций. По словам Леонова, три или четыре из них - смертельно опасные. «Уже на восьмой минуте в открытом космосе я почувствовал, что фаланги пальцев рук вышли из перчаток. Ступни ног свободно болтались в сапогах. Началась деформация скафандра», - вспоминает Алексей Леонов. Чтобы вернуться в корабль, космонавту необходимо было руками в несгибающихся перчатках смотать пятиметровый фал, но, даже сумев это проделать, он не смог бы войти в шлюз в раздувшемся костюме. Тогда вопреки всем инструкциям и с риском для жизни Леонов стравил давление в скафандре. Этот эпизод стал лишь началом злоключений, которые обрушились на космонавтов-первопроходцев.

Актер и продюсер компании «Третий Рим» Евгений Миронов признается, что был потрясен этой историей и «заболел» ей, посмотрев документальный фильм о первом выходе в открытый космос. «Леонов - подлинный герой, каких сейчас не хватаем современному кино и литературе. Он сознательно пошел на величайший риск, ведь невозможно было просчитать все до конца. Они с Беляевым сделали шаг в бездну. Я понял, что из этого нужно сделать большое кино», - говорит он.

С идеей картины о легендарном полете «Восхода-2» Евгений Миронов пришел к Тимуру Бекмамбетову, одному из немногих, кто способен реализовать такой амбициозный проект. «Задумка снять большое кино, основанное на нашей истории покорения космоса, показалась интересной. Мы с Женей договорились о встрече с Леоновым. В течение шести часов Алексей Архипович рассказывал нам о своей жизни и о том, что произошло с ним и его напарником Беляевым более 50 лет назад. Мы поняли, что не можем не снять фильм про такого удивительного человека и те невероятные события, которые вошли в мировую историю освоения космоса. Мы сразу взялись за работу», — вспоминает Бекмамбетов. Роль Алексея Леонова исполнил Евгений Миронов. Его друга и напарника Павла Беляева сыграл Константин Хабенский.

Так родилось «Время первых», кино о величайшем и опаснейшем подвиге людей, готовых рисковать жизнью ради мечты.

Создание космического корабля.
Фильм «Время первых» был запущен в производство в марте 2015 года. В московских кинопавильонах были построены два полноразмерных макета «Восхода-2», оснащенных техническими атрибутами в полном соответствии с историческими реалиями - для съемок, как снаружи, так и внутри корабля. Для интерьерных съемок собрали подвижный макет «Восхода-2», который мог наклоняться, вращаться и трансформироваться.

Тайга.
Зимой 2016 года группа кинематографистов во главе с режиссером Дмитрием Киселевым и оператором Владимиром Баштой прилетела в Пермский край, в окрестности того самого места, где 19 марта 1965 года в ручном, нештатном режиме приземлился на «Восходе-2» экипаж Беляева-Леонова. Съемочная группа работала в долине реки Усьвы при температуре минус 35 градусов. Добираться на место съемок приходилось с помощью оборудования для скалолазания. На этот путь уходило не менее полутора часов.

Виртуальный космос.
Продюсер визуальных эффектов в фильме, руководитель студии CGF Александр Горохов рассказывает: «Наша работа над фильмом началась примерно за полтора года до старта съемок. Одной из первых задач студии было сделать компьютерную реконструкцию всего полета с момента старта до момента посадки - 18 витков вокруг Земли, и особенно подробно выход Леонова в космическое пространство. Нам нужно было в точности воспроизвести весь полет в деталях: что бы мы увидели в кадре, если бы снимали все в действительности». Специально для сцен выхода Леонова в открытый космос студия CGF разработала систему дополненной реальности, которая позволила режиссеру и оператору уже во время съемки видеть на экране перемещения актера в условиях виртуального космоса.
Чтобы сцены в невесомости смотрелись максимально эффектно были созданы «цифровые дублеры» Миронова и Хабенского. Актеров «отсканировали» на круговой установке из 80 фотоаппаратов. Эта новая для российского кино технология впервые была использована на другом высокотехнологичном проекте студии BAZELEVS - фэнтези «Он - дракон».

Миронов и Хабенский в Космосе. Таких берут в космонавты.
Евгений Миронов и Константин Хабенский больше года готовились к съемкам «Времени первых». В фитнес-клубе World Class они прошли курс тренировок, созданный на основе программы предполетной подготовки космонавтов. На съемках от них требовалась безупречная физическая форма - им приходилось надолго «зависать» на тросах в тяжелых 30-килограммовых скафандрах. Все подобные задачи Миронов и Хабенский выполняли на съемках самостоятельно, привлекая каскадеров только для репетиций и технических дублей.
Актеры побывали в Центре подготовки космонавтов в Звездном городке, в РКК «Энергия», НПП «Звезда», которое создает оборудование для полетов в космос. Там они узнали все нюансы тренировок космонавтов, изучили устройство космического корабля «Восход-2» и скафандров.

КОМАНДА ПЕРВЫХ.
Фильм снят компаниями BAZELEVS и «Третий Рим». Режиссер картины Дмитрий Киселев давно работает с Тимуром Бекмамбетовым. Оператором картины стал Владимир Башта, автор таких масштабных и зрелищных фильмов, как «Брестская крепость» и «Кандагар». Съемки выполнены на стереокамеру с использованием камер RED DRAGON новейшего поколения.
Продюсером 3D-съемки выступил Рауф Атамалибеков («Сталинград»). Команда стереограферов включала голливудских и российских специалистов: Джош Фриттс, Рафаэль Чайт, Анна Евстратова и Александр Духон.
Продюсер визуальных эффектов в фильме - руководитель студии CGF Александр Горохов, соавтор многих крупных проектов BAZELEVS со времен «Ночного дозора».
VFX-супервайзер - Сергей Невшупов, долгое время сотрудничавший со знаменитой новозеландской студией Weta Digital и создававший спецэффекты к трилогии «Властелин колец» и «Аватар».
К съемкам сцен в невесомости привлекли одну из лучших команд каскадеров в стране во главе с Александром Стеценко, занимавшимся постановкой трюков в «Хардкоре».
Историческими консультантами помимо Алексея Леонова стали специалисты Центра подготовки космонавтов в Звездном городке, РКК «Энергия», где создавался корабль «Восход-2», и НПП «Звезда», занимающегося производством оборудования и скафандров для космических полетов.

В Израиле премьера космической драмы «Время первых» состоится 21 апреля. Как было сказано в начале статьи этот грандиозный проект в израильских кинотеатрах по всех стране будет показан компанией «КиноРай» – официальным дистрибьютором фильмов на русском языке в кинотеатрах Израиля. Фильм «Время первых» будет транслироваться в Израиле на русском языке с субтитрами на иврите. Официальное название на иврите, присвоенное фильму, будет - "מעבר לכוכבים".

Посмотреть трейлер «Время первых»: https://www.youtube.com/watch?v=H04lhQa_3fk

КиноРай - уникальный проект, создавший в Израиле совершенно новый формат трансляции кинофильмов на русском языке. Вот уже несколько лет тысячи русскоязычных израильтян посещают крупнейшие кинотеатры по всему Израилю для просмотра актуальных голливудских блокбастеров и новинок российского кинематографа на родном языке.

Показы проходят в сети кинотеатров «Синема Сити» и «Глобус Макс» параллельно с их сеансами на иврите, включая: «Синема Сити» в Глилот, Ришон ле-Ционе, Нетании, Иерусалиме и Кфар-Сабе, а также «Глобус Макс» в Нагарии, Крайот, Хайфе, Нетании, Петах-Тикве, Кфар-Сабе, Реховоте, Модиине, Ашдоде, Беэр-Шеве и Ашкелоне.

Нужно отметить качество и разнообразие услуг, предлагаемых проектом. За прошедший год команда КиноРая смогла ввести в оборот показы кинофильмов в ставшем уже стандартом трехмерном формате 3D, а в избранных кинотеатрах появились сеансы VIP, где зрителей ожидают комфортабельные VIP-кресла и предлагаются в неограниченном количестве разнообразные горячие и холодные закуски, алкогольные и безалкогольные напитки, десерты, мороженое, попкорн и начос.

Благодаря статусу официального и эксклюзивного дистрибьютора кинопродукции крупнейших мировых кинокомпаний на русском языке в кинотеатрах Израиля, проект имеет прямые контакты с производителями фильмов, поэтому русский дубляж представляет собой аналог показываемого в России и стран СНГ, а сами ленты выходят в прокат одновременно с мировыми премьерами!

Телефон для справок: 052-588-11-88,

Расписание сеансов и заказ билетов*: www.kinorai.co.il .

КиноРай в социальных сетях: Facebook, VKontakte, Odnoklassniki

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting